1) Las técnicas son el temple en pintura mural y el óleo sobre lienzo. La pincelada varía según el autor pero tiende a ser suelta y abierta.
2) Búsqueda de la expresión y el movimiento. Las figuras además de ser realistas deben plasmar los sentimientos humanos, exagerados y efectistas en muchas ocasiones, serenos en otras.
3) Composición asimétrica: se pierde la simetría propia del Renacimiento. Se prefiere el desequilibrio y se consigue con diagonales o con formas partidas que indique que no todo cabe en el cuadro ( figuras que no aparecen totalmente pintadas). Con las diagonales se consigue una primera impresión dinámica, reforzada por las figuras inestables, los escorzos, las ondulaciones,..
4) Profundidad continua: en el barroco la pintura parece poseer las tres dimensiones. La sensación de profundidad se consigue con líneas convergentes, escorzos con un primer término oscuro, juego de luces...
5) Predominio de la luz y el color, que se antepone al dibujo y la composición. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y por esto la sombra juega un papel esta entonces inédito, especialmente en el tenebrismo, que vienen a ser violentos efectos de luces y sombras Así pues, la forma se subordina a la luz y así pueden desvanecerse las formas por debilidad o intensidad del centelleo luminoso. El color es otro de los grandes protagonistas como definidor de formas.
6) Representación del espacio. La gran novedad que aparece es la perspectiva aérea. La luz se utiliza como efecto degradante de las formas en un intento por captar la "atmósfera" que se interpone entre los objetos,
7) Pincelada larga y flexible. Frente a la pincelada matizada de los renacentistas, donde predominaba lo dibujístico, el Barroco va a introducir una pincelada mas libre y menos definida.
8) La línea pierde importancia. Predomina el color sobre el dibujo, así las manchas son las definidoras de las formas. El modelado tiende a contrastes violentos muy teatrales.
9) Mantenimiento de la técnica del fresco, y se generaliza el uso del gran cuadro de altar, para devoción de los fieles.
10) Lenguaje realista. Se reniega del misticismo irreal de las imágenes religiosas de los maestros manieristas (pensemos en el Greco). La Iglesia, principal cliente de los pintores, exige un lenguaje realista. Si los santos deben constituir ejemplos para el pueblo, deben parecerse a él. Así pues, la forma de expresión es naturalista realista
11) Temática variada: destacando la pintura de género, bodegones y los paisajes como novedad.
12) Predominio de una temática religiosa en los países católicos que esta vinculado a la proliferación de ordenes religiosas que popularizan las vidas de Santos en los que se busca su carácter ejemplar, por medio de escenas de martirios y alegorías sacramentales. Mientras que en el mundo protestante, predominaran temas bíblicos o evangélicos, de los que constituye un excelente ejemplo la obra de Rembrandt.
13) Pervivencia de la temática mitológica, con figuras bellas e idealizadas, salvo en el caso de España, y con frecuencia dotado de un cierto simbolismo religioso.
14) El retrato presenta algunas novedades: se generaliza el de cuerpo entero, siguiendo el ejemplo de Tiziano y surge el retrato de grupo o de corporación del que encontramos muchos y variados ejemplos en las escuelas flamenca y holandesa.
15) Aparece el bodegón, un cuadro que representa frutas, viandas y objetos inanimados que sirven para decorar estancias burguesas, aunque en numerosos casos están dotados de una cierta simbología religiosa.
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