Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519): Es un pintor que personifica el tránsito del Quattrocento al Cinquecento. Muy intelectual, une arte , ciencia y filosofía: es un hombre del Renacimiento. Busca bases científicas para sus obras. Le interesó sobremanera la nueva técnica del óleo por la brillantez y variedad de los colores; y eso le llevó a investigar procesos aplicables al fresco que hicieran viable las correcciones, aunque los resultados no fueron los esperados.
En sus obras refleja la preocupación por reducir el cuadro a lo fundamental, a la esencia de la naturaleza y del hombre; la fusión del ser humano con la naturaleza que le rodea es la esencia misma del alma. De ahí el carácter de quietud, de armonía, entre los personajes y el entorno que traslucen sus obras. Pero su intimismo no está exento de trabajo intelectual. Para él la pintura es un trabajo meticuloso en el que el pintor ha de tener en cuenta la luz, las tinieblas, el color, el cuerpo, la figura, la posición, el distanciamiento, la proximidad, el movimiento y el reposo. Preocupación constante del artista fue el tratamiento de la luz: la luz que no debía definir los perfiles de un cuadro de manera nítida, ya que en la realidad tampoco lo hace, sino por el contrario, matiza los contornos. De esta idea le vino esa manera sutil de graduar el paso de la luz a la sombra, el sfumato, que caracteriza su producción pictórica, y que consiste en el desvanecimiento de los contornos. La línea pierde intensidad y los contornos de los rostros se hacen, merced a esa gradación lumínica mucho más reales.
La matización de la luz se extiende a toda su obra y los colores responden también a esa diferencia de la luz. El uso de colores complementarios en los personajes principales consigue centrar la atención del espectador en aquello que Leonardo quiere realzar. Emplea una gama de colores para el fondo y otra para los personajes. Los fondos presentan una gama cálida en tonos apagados, con predominio de castaños u ocres; los personajes llevan una mezcla de colores fríos y cálidos, empleando los colores complementarios para realzar lo fundamental: la “Virgen de las Rocas” o la “Última Cena” son un buen ejemplo.
La composición de figuras entrelazadas, una encima de otra, son el resultado de un largo proceso de estudio del artista, del que se tienen testimonios gráficos y literarios. Rompe con el hieratismo de una figura sirviendo de trono a la otra, elaborando una composición piramidal, de volúmenes entrelazados y movimientos armónicos, que se compaginan con gestos amables, transmisores de un nuevo concepto artístico llamado grazia.
Otro de sus intereses es la búsqueda de modelos reales que se correspondieran con sus personajes. Esa búsqueda incesante le llevó a retrasar obras como la Última Cena, ya que no encontraba rostros adecuados para Cristo y Judas.
Se interesa por la valoración del medio atmosférico que envuelve a las figuras (perspectiva aérea), esto provoca una gran riqueza cromática y el sfumato de los contornos (artificio pictórico consistente en prescindir de los contornos reales y precisos del Quattrocento, envolviéndolo todo en una niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce la inmersión en la atmósfera).
Introdujo un nuevo sentido de la vida en las imágenes, por medio del empleo de la expresión y el movimiento, incluso en personajes sentados, cuya falta de estabilidad quedaba contrarrestada por los esquemas geométricos con los que controlaba sus composiciones de figuras o grupos. La visión natural del movimiento del cuerpo humano y la caracterización de los personajes, le convertirán en maestro del retrato gracias a su técnica del óleo y del sfumato; dulcificaba el modelado sin perder volumen, las gradaciones de luz y sombra y la perspectiva aérea, que transformaba relieve, definición y colorido en las distancias.
Trabajó en Florencia , Milán y Francia. Entre otras obras destacan: “La Gioconda”, “La Madonna de las Rocas”, “La adoración de los Reyes Magos”, “La última cena” y “Santa Ana, la Virgen y el Niño”
