La Pintura del Cinquecento en Italia

Detalle de la Virgen de las Rocas.
La composición del Cinquecento

CARACTERÍSTICAS GENERALES

1. Dominio de la perspectiva: Lineal y atmosférica.

2. Pérdida de interés por los grandes escenarios.

3. La arquitectura sirve para realzar la monumentalidad de las figuras.

4. Se destaca el tema principal de la obra, con composiciones clásicas que se inscriben en formas geométricas de las que se eliminan los detalles anecdóticos.

5. El objetivo del artista es la representación de tipos humanos de belleza eterna e intemporal, se centran en el hombre, en sus reacciones y sentimientos. Por ello se usaban modelos reales, que pudieran servir de referencia de un tipo de persona. Interesaba plasmar las relaciones de los personajes entre sí; la realidad del momento representado.

6. La luz sirve, no solo para crear volúmenes, sino también para difuminar los contornos de las figuras, abandonando las formas (sfumato). El tratamiento lumínico de los rostros, que podía acentuar o mitigar expresiones y gestos de los personajes.

7. Se mantiene el interés por la representación del movimiento. El autor tiene tarea mental para concebir la obra, que es el trabajo fundamental, explicando las tareas inacabadas.

8. Abandono del temple y adopción del óleo desde que Antonello da Messina transmite esta técnica a los pintores venecianos durante su estancia en la ciudad de los dux (1475-1476) .

9. Los colores se fusionaron, gracias a la técnica del óleo, que permitía traducir el alejamiento mediante la degradación de los tonos y los contornos (perspectiva aérea).

10. Las composiciones, inicialmente estáticas y a menudo, triangulares, tendieron hacia una mayor complejidad y dinamismo. En el Cinquecento la obtención de efectos de claroscuro mucho más contrastados contribuyó a difuminar los contornos y a crear un modelado ilusionista cuyo ejemplo más extremo es el “sfumato” leonardesco. Los lienzos suelen mostrar pocas figuras distribuidas de modo tal que configuran un espacio cerrado, único para ellas: es la denominada composición cerrada

11. El deseo de transmitir la sensación de vida a través de la calidad de la piel, el realismo de las posturas, el movimiento y la presencia psicológica, definida por Leonardo como “estado de ánimo”; a pesar de ello buscaron mucho más la belleza y la armonía.

12. El estudio de la civilización grecorromana condujo a los artistas hacia un ideal de perfección e influyó en la elección de decorados arquitectónicos y los motivos denominados “grutescos” (decoración mural consistente en figuras caprichosas, mitad humanas, mitad vegetales; éstos se disponían en los espacios secundarios, en torno a un eje central). La filosofía propugnaba un ser humano ideal tanto en sus proporciones y musculatura como en la definición del óvalo del rostro, la nariz rectilínea, la frente triangular, la expresión contenida y el equilibrio dinámico del cuerpo mediante el contrapposto. Este modelo culminó con la pureza clásica de Rafael durante el Cinquecento. Además, Vitruvio, arquitecto romano del siglo I a.C. enseñaba que la figura humana podía inscribirse dentro de una de las figuras geométricas perfectas (cuadrado, círculo)

13. La temática continuó siendo la misma:

    - Religiosa: se introducen nuevos santos o nuevas formas de representar a los santos tradicionales como reflejo de las preocupaciones de la época. (San Jerónimo en su estudio, como un humanista)

    - Los temas mitológicos.

    - Los temas históricos: sobre todo conmemoración y exaltación de batallas entre las Ciudades Estado italianas (La batalla de Anghiano y La batalla de Cascina de Leonardo da Vinci y de Miguel Ángel, respectivamente).

    - El retrato: El paisaje empieza a tener más importancia, sobre todo en Venecia.