Características Generales
- Se desarrolla principalmente en Florencia, con obras que suponen la expresión de los ideales del Renacimiento, no solo en cuanto a su belleza, sino también con la aportación de novedades técnicas que encauzarán las tendencias pictóricas posteriores.
El pintor rompe con los convencionalismos medievales y se apoya en observación de la realidad a la que idealiza.
El pintor tiene mayor consideración social
La pintura será considerada casi una ciencia.
Su práctica obligaba a un conocimiento de:
Proporciones.
Luz
Movimiento
Profundidad, de auerdo con el sistema visual de representación que se descubre en este momento: la perspectiva.
El mecenazgo de los poderosos ayudó a los pintores a liberarse de la rigidez del sistema gremial.
Los gremios:
Limitaban la libertad creativa
Regulaban el aprendizaje y la comercialización de las obras.
La valoración del arte va unido a:
El coleccionismo
A la acumulación de obras de arte como signo de prestigio social.
El pintor es percibido más como artista que como artesano.
Es esencial:
. El estudio de la anatomía humana.
. La concepción de la representación espacial.
. La valoración de la luz en el cromatismo
. Variabilidad de tonos.
Temas:
Religiosos. Son los más abundantes. Se distinguen por la gran humanidad de los temas, acercándose a los fieles que los contemplan.
En Italia:
Virgen con el Niño (Madonna).
Sagrada Familia como motivos dulces y amables
Sacras Conversaciones: personajes sagrados en sencilla actitud de diálogo
Se mantienen los grandes ciclos con representaciones de acontecimientos bíblicos o de la vida de los santos.
El retrato se independiza de los cuadros religiosos (donante)
La dignidad del hombre es determinante en el nacimiento de este género, producto del individualismo renacentista. Se inspiran en los retratos romanos (Medallas, relieves de las excavaciones).
Mitológicos: Se representan escenas de las Metamorfosis de Ovidio.
Los pintores se interesarán por las excavaciones arquelógicas.
La conciliación neoplatónica entre la cultura grecolatina y la cristiana hace que los temas tengan carácter moralizante y convivan con los religiosos.
Es la decoración principal en los espacios civiles en Italia, como los palacios.
Los héroes mitológicos o los hombres de la Antigüedad se ofrecen como modelos de virtudes que encajaban con la moral cristiana.
Se generalizan las alegorías, por las que ideas, sentimientos o fuerzas de la naturaleza como la justicia, el amor o el viento, se representan como personas, con todo un lenguaje de atributos particulares.
Técnicas:
El soporte más usado es la tabla
Se incorpora paulatinamente el lienzo, que desplazará a la tabla.
La técnica tradicional, el temple (pigmentos aglutinados con huevo), se sustituirá por el óleo, con mayores posibilidades plásticas (ya se usaba en los Países Bajos).
En las pinturas murales se usa el fresco.
El fresco requiere:
Rapidez en su ejecución
Permite pocas modificaciones.
El color se aplica, mezclado con agua de cal, sobre el muro de un revoco aún húmedo. Esto permite que la pintura penetre en el soporte; así soporta la intemperie, pero dificulta los retoques cuando seca. El resultado es luminoso y duradero.
La pintura florentina rompe con la tradición del llamado gótico internacional. Los pintores se inspiran en:
El lenguaje del clasicismo
Buscan la representación de la naturaleza
Dejan a un lado el carácter simbólico y distante de la pintura medieval.
Al carecer de restos pictóricos de la Antigüedad, se fijan en los restos arquitectónicos y escultóricos.
Persiguen plasmar con fidelidad la naturaleza y su tridimensionalidad, a través del estudio geométrico y matemático.
El hallazgo de la perspectiva se manifiesta en todas las creaciones, que aplican el nuevo sistema para obtener una mayor sensación de realidad. A ello se une el estudio del cuerpo humano, del movimiento, de la luz, en un período que cristalizará en el siglo XVI.
Florencia se convierte en el centro fundamental de la nueva corriente, aunque pronto surgirán otros: Roma, Padua, Perugia, con sus propias características
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