Blog de Arte de Mercedes

El Impresionismo

2011-06-03T14:56:00.001-07:00

El Impresionismo

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La arquitectura y la escultura de la segunda mitad del siglo XIX

2011-05-26T01:01:00.000-07:00

Arquitectura y Escultura del la segunda mitad del siglo XIX

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El Siglo XIX: La Pintura Realista

2011-04-25T15:26:00.000-07:00

El Siglo XIX: La Pintura Realista

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El Tránsito del siglo XVIII al XIX: el Romanticismo

2011-04-25T02:51:00.001-07:00

El Tránsito del siglo XVIII al XIX: el Romanticismo

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El Tránsito del siglo XVIII al XIX: Rococó y Neoclasicismo

2011-04-21T15:02:00.001-07:00

El Tránsito del siglo XVIII al XIX: Rococó y Neoclasicismo

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Las Artes Figurativas del Gótico (II)

2011-02-08T09:17:00.000-08:00

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Trabajo sobre imágenes

2010-11-12T11:18:00.000-08:00

Teatro romano de Zaragoza

Bueno, aquí tenéis la presentación sobre la arquitectura romana, sus sistemas constructivos y aparejos. Identificad las fotografías del final, señalando el sistema constructivo, materiales usados, opus y aparejos; así como los recubrimientos de paredes y suelos. Algún edificio os será conocido, otros no. No importa que los identifiquéis. Como están numeradas las diapositivas ponéis el número de la misma y vais haciendo la identificación y comentando la imagen. A ver si os sirve. Acordaros que recojo el trabajo el miércoles día 17. Buen trabajo y suerte.

Arquitectura Romana: Sistemas constructivos y aparejos

2010-11-12T11:14:00.000-08:00

Arquitectura Romana. Sistemas constructivos y aparejos

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Una nueva visión del hombre: Grecia

2010-11-03T04:47:00.000-07:00

En la imagen contemplamos una escultura de bulto redondo, en posición erguida. Esculpida en bronce, material cuyo dominio técnico facilitó en la Grecia del siglo V a. C. Modelar formas con gran flexibilidad.

Es un desnudo masculino y el tema nos centra en el ANTROPOCENTRISMO de la cultura griega; que, a diferencia del predominio que hay de los animales en la Prehistoria, y de un hombre empequeñecido en las primeras civilizaciones urbanas- colosalismo egipcio y persa-, en Grecia “el hombre es la medida de todas las cosas” en frase de Protágoras.

El individuo aparece con las piernas bastante separadas y los brazos extendidos, en acción de lanzar una jabalina o similar; el brazo izquierdo señala con los dedos de la palma, de los que vemos cuatro, la línea a seguir en la concentrada mirada y el equilibrio del cuerpo. El brazo derecho, flexionado, en el momento de proceder al lanzamiento, instantánea fugaz, y por tanto, temporal, que nos asemeja ese “instante” recogido por Mirón en su Discóbolo. Tiempo, movimiento, espacio. La horizontal remarcada por los brazos equilibra el desequilibrio de la vertical con ese talón levemente elevado y nos aleja del espacio cerrado, encorsetado, aunque el autor no se atreva aún a lograr ése espacio abierto, invasor de varios planos hasta llegar al plano del espectador que más tarde Lisipo nos presenta en su “Apoxiomenos”. Aquí el plano de los brazos corresponde al cuerpo.

El rostro sereno y reflexivo acompaña la acción, responsable de su cometido y una gran paz invade su espacio interno (alma) y emerge en esta expresión máxima del ETHOS: autodominio, búsqueda de perfección.

El cuerpo desnudo, en plenitud, continúa el ideal aristocrático griego: fuerza atlética, juventud...; esa moral aristocrática que se plasma en la búsqueda de las formas apolíneas, como aquéllos kurós colocados en las tumbas, con la muerte reservada a los héroes y a los mitos sin llegar ni sentir la vejez y la decrepitud. Es el concepto heroico en su plenitud.

Rostro severo, cuerpo atlético ( “mens sana in corpore sano”), tendente al equilibrio. Desnudo masculino, el desnudo femenino es más tardío. Las korés arcaicas están vestidas y habrá que esperar a la “Venus de Gnido” de Praxíteles (siglo IV a.C.) para contemplar un desnudo femenino.

Sin embargo, la obra analizada se aleja del tipo de kuroi arcaico, hierático, estático y frontal, de evidente influencia egipcia. En este personaje, en su tratamiento artístico y formal observamos rasgos arcaicos: el tratamiento del pelo, con tendencia a lo geométrico y mensurable; ajustado, ojos almendrados, anatomía aún esquemática, marcando solo lo esencial (pliegue inguinal, pectorales, bíceps)....Pero junto a ello encontramos innovaciones que anuncian una nueva época y pensamiento: - la cabeza de perfil, girada, apuntando hacia ése índice que en la mano indica la meta a conseguir, y que rompe el frontalismo anterior;

-las piernas divergentes, no en paralelo, con los pies en distinta posición, con ese talón del pie derecho tan significativo, algo levantado que introduce algo importantísimo: dinamismo y movimiento, tensión controlada, instante fugaz, un desequilibrio que tiende a finalizar la acción y reposar de nuevo; aurora de lo que Polícleto con su contraposto, enjiastok y disimetría marcará como modelos a imitar por las nuevas generaciones (Doríforo, Diadumenos)

-brazos extendidos, atrevidos, lejos ya de los puños cerrados y brazos pegados al cuerpo de los kurós y de la estatuaria egipcia;

-el rostro severo y grave, con expresión interior, paz, equilibrio y armonía: el ethos.

Por todo ello, nos hallamos ante una obra del período protoclásico severo griego (480-450 a.C.) aproximadamente, ese primer clásico, consecuencia de la victoria contra los persas en las guerras médicas. Es el llamado “milagro griego”. La victoria contra la barbarie, la incultura y el despotismo que para los griegos representó el Imperio persa, les llenó de seguridad y autoconfianza: era una señal de los dioses de que se encontraban en la buena dirección. Esto les infunde una fe ciega en sus posibilidades, en su razón, les afirma el humanismo, les acerca a los dioses... Las victorias en Maratón (490 a. C.) y Salamina (480 a. C.) les da el impulso de la autoconfianza y les lleva a evolucionar hacia nuevas formas político-institucionales de las que el arte es un reflejo: es increíble, la rápida evolución que se produce en apenas cincuenta años en las formas artísticas.

La obra que tenemos ante nosotros está en la mitad de ese camino evolutivo: los griegos se presentan moderados y ecuánimes como aparece en esta imagen. La filosofía pre-socrática ya había roto con las explicaciones míticas y buscaba un porqué racional; este dios de la imagen está ya mas cerca de nosotros, es más humano...Una humanidad que para los griegos, en el 460 a .C. es posible afirmarla en el individuo -Sócrates-y en la colectividad -democracia de la Atenas de Pericles.

La sociedad griega deja tras de sí las grandes civilizaciones teocráticas y se configura antropocéntrica, comercial e ilustrada. Se caracteriza por la seguridad, la autoconfianza, el impulso a la iniciativa, como este personaje; Apolo, Poseidón, atleta y griego, de lanzar la jabalina; cierta arrogancia, quizás exceso de autoafirmación, que, en el caso de Atenas desembocó en las Guerras de Peloponeso (431-404 a. C.) entre las distintas polis griegas. Crisis y guerra que llevará al helenismo.

Pero de momento, esta imagen claramente griega, contemporánea del Discóbolo de Mirón, del Auriga de Delfos, nos transmite ese “milagro griego” que fructificó y admiramos, y nos recuerda lo que tanto debe nuestra civilización occidental a ese pequeño grupo de hombres.

El Realismo social

2010-06-09T14:12:00.000-07:00

El Entierro en Ornans

El vagón de tercera de Honoré Daumier

Las lavanderas de Honoré Daumier

El realismo social: Se cartacteriza por rehuir lo político y optar por la crítica social, con el obrero y la sociedad industrial protagonizando las obras de arte. Temas centrales: el mundo rural y urbano, las clases populares, los ambientes familiares y las escenas laborales. Se desacralizan los temas religiosos y se denuncian las condiciones de marginación, míseria y pobreza en que vivían las clases más bajas. Este arte fue rechazado por el público burgués. Gustave Courbet y Honoré Daumier son sus principales representantes.

Gustave Courbet (1819-1877) es la figura principal del realismo pictórico. Pinta el mundo rural superando la nostalgia y la idealización, de una manera contemporánea. Su máxima era “arte y vida deben ir unidas” y por ello crea un arte de crítica social y de denuncia de las desigualdades sociales. Es un artista comprometido, ya que se define a sí mismo como socialista. La manera de tratar a la sociedad de su época es lo que escandalizará, más que la estética de su obra. Su compromiso es introducir la realidad y la miseria de los estratos sociales más bajos en los Salones, sin idealización ninguna. Esta característica resalta en su obra “El entierro de Ornans”, donde aparecen figuras de todas las clases sociales, actuando como representante del proletariado el enterrador, lo que encierra una fuerte carga simbólica (el proletariado entierra a la burguesía). Está compuesto por figuras de tamaño natural, sin apenas relación entre ellas. Es un retrato colectivo de una ciudad pequeña, Ornans, con un paisaje como fondo. Prima el grupo sobre el individuo. Se muestra el ritual del entierro, aunque los asistentes parecen ausentes y no miran la fosa. Destaca la inexpresividad, la simplicidad, la escasez de volumen. Es un tema real, sin argumento en apariencia. Esta obra provocó un revuelo en su época, tanto por su estética cruda y realista, como por su simbología, inteligible para el público burgués. Ante las acusaciones recibidas, Courbet respondió que él pintaba lo que veía. Algunos autores la han calificado como manifestación visual del manifiesto comunista y entierro de la burguesía. Es un ejemplo del compromiso social de los artistas realistas.

Otra de sus obras “Buenos días, señor Courbet” representa un hecho intrascendente, pero real: el encuentro con su amigo y un criado junto al perro. La fuerza de la obra reside en ella misma y no en el tema. Las figuras nítidas, se sitúan en llanura llanura soleada y con colores claros.

Honoré Daumier (1808-1879), conocido en su época más como caricaturista y litógrafo que como pintor. Su arte sigue el principio de “Hay que ser de su época”. Critica a la sociedad y a la política que él vivió. Sus temas se basan en la crítica de las condiciones de vida de las clases más humildes: campesinos, proletarios y clases sociales urbanas bajas. Su estética es diferente. Usa grandes manchas de color, a veces con sensación difuminada; pero no renuncia al dibujo. Los rostros recuerdan a las caricaturas satíricas que él realizaba. Su obra principal “Vagón de tercera” refleja la vida cotidiana de unos campesinos en un tren. Líneas fluidas, formas rotundas y dominio del claroscuro son características técnicas y estilísticas destacables. Otra obra de crítica social es “La Lavandera”, donde denuncia las míseras condiciones de vida de las clases bajas de la ciudad. Su estilo se aleja de la representación objetiva y minuciosa de la realidad, usa el abocetamiento y la mancha de color, características del arte contemporáneo

El Realismo en la Pintura

2010-06-09T13:22:00.000-07:00

El Ángelus de Millet

Las espigadoras de Millet

Grupo de encinas de Theodore Rousseau

La Catedral de Chartres de Corot

Es un movimiento artístico y literario que surge alrededor de 1840. Su objetivo es la representación objetiva, verosímil de la realidad. En cierta medida es una reacción frente a los excesos del romanticismo. Rechaza el sentimentalismo, la temática histórica y orientalizante, extrayendo su inspiración en la realidad cotidiana.

CARACTERÍSTICAS

Rechaza el subjetivismo y la evasión del arte Romántico. Se defiende de la realidad con el deseo de transformarla.
Es una pintura objetiva, que no intenta embellecer la realidad.
Representa la vida cotidiana en el campo, la ciudad, la intimidad, el paisaje o el trabajo, con minuciosidad.
La veracidad. El realismo será acusado de “feísmo”, de no buscar la belleza en su arte, al representar la vida cotidiana de los trabajadores y campesinos; temas no dignos de ser pintados. Despoja al cuadro de convencionalismos o de cualquier tipo de idealización
La contemporaneidad. El único tema digno de ser representado es el mundo coetáneo del artista.
El compromiso social. El fin del arte es social, lo que va en contra de la idea romántica del arte por el arte. La temática del realismo nunca había sido tratada por autores anteriores, lo que exige el compromiso social del artista, siendo sus obras manifiestos de crítica social.
La variedad en sus técnicas y estilo, ya que aquello que une a los artistas del realismo son los temas y no las características formales.
Los avances de la fotografía son de gran importancia para los pintores realistas: capta y congela el momento de forma permanente, lo que sin duda fascina y es el punto de partida de muchas obras realistas.

FRANCIA

A mediados del siglo XIX Francia vivió grandes cambios políticos: la monarquía de Luis Felipe, la República, el Segundo Imperio, la Comuna de París y una nueva República. A la vez, se difunden las ideas de Carlos Marx; se produce el nacimiento del movimiento obrero en las ciudades que asisten al desarrollo de las comunicaciones y a la aparición de la fotografía. En este contexto surge el nuevo lenguaje artístico que deseaba poner fin al mundo racional y legendario del clasicismo y a las idílicas y sugerentes imágenes del romanticismo. La pintura realista quería llevar al lienzo la vida cotidiana, con paisajes cuyos elementos naturales adquieren protagonismo. La observación directa es el principal instrumento de trabajo.

Pretenden alejar el esteticismo y la convención pictórica. Se trata de ser fiel a la realidad. Las raíces del realismo las hallamos en la pintura del paisaje decimonónica; en el momento en el que el paisaje romántico es abandonado por una visión diferente de la naturaleza a la que hay que observar de forma directa.

El paisaje: Corot, la Escuela de Barbizon y Millet

Camille Corot (1796-1875): Supone el paso del paisaje romántico al realista, por lo que se le considera el primer pintor realista. De formación clásica, su ideal es crear un mundo de belleza, serenidad y equilibrio, alejándose de toda corriente doctrinaria. Una de sus aportaciones es la pintura al aire libre, punto clave en la técnica impresionista. Se opone al romanticismo en la creación de atmósferas tranquilas, pero dotadas de un poder evocador y en su técnica minuciosa.

En su obra se puede apreciar la unión de varias influencias: la pintura de género holandesa, temas galantes rococó y la variedad cromática del romanticismo. Todo unido a un detallismo minucioso, pincelada fluida y de gran textura y sensación de aire libre circulando libremente en las composiciones. Una de sus características revolucionarias es que desnuda al paisaje de todo elemento secundario, tratando de descubrir en sus cuadros una visión pura, real, deshecha de todo artificio, sentimiento y ornamentación. No idealiza el paisaje. Estudia los efectos de la luz y de los fenómenos atmosféricos sobre las escenas representadas: Catedral De Chartres o el Puente de Nantes. En sus paisajes no se ven figuras humanas ni ruinas. En sus tetratos femeninos los modelos no parecen posar, haciéndolo con gran naturalidad.

La Escuela de Barbizon. En torno a este pequeño pueblo trabajaron una serie de pintores: Rousseau, Díaz de la Peña, que tuvieron como maestros a Constable o Corot. Toman apuntes al aire libre, aunque muchas de sus obras las terminaban en el taller. Se interesaron por los cambios atmosféricos y sus efectos; así como por las filtraciones de luz. La temática de los artistas de este grupo girará en torno a los bosques, los prados, los arroyos; motivos en apariencia banales les permiten estudiar los efectos de la lejanía o las filtraciones de la luz entre las hojas de los árboles. El autor más reconocido es Theodore Rousseau (1812-1867). Obra característica del pintor es “Grupo de encinas”, donde se observa la estética y la preocupación realistas propias de Barbizon Una preocupación parecida, pero con una paleta diferente da lugar al Impresionismo.

JEAN FRANÇOIS MILLET: (1814-1875). Su visión estética entronca con la Escuela de Barbizon en lo relativo a los sentimientos ante la naturaleza. La novedad que Millet aporta reside en introducir en estos paisajes franceses de gran formato, a los campesinos, a la gente del pueblo con sus miserias. Este hecho en sí mismo es polémico para el gusto burgués, acostumbrado a obras mitológicas heroicas o religiosas.

Sin embargo huye de la pasión y emoción romántica, mostrando la realidad en toda su crudeza y frialdad; esto le supondrá ser tildado de “socialista” por la crítica burguesa. Afirmación desmentida por el autor, que siempre dirá “que pinta lo que ve, lo que siempre ha visto y vivido”, ya que sus orígenes son humildes,; desmarcándose de la lucha de clases. Dignifica la vida rural, sin caer en lo pintoresco ni hacer crítica social. Sus figuras son robustas y se presentan aisladas e incomunicadas y sus paisajes tienen amplios horizontes. La luz es muy importante en su obra Obras destacadas son: "El Ángelus”, “Las espigadoras” o “El sembrador”. El Ángelus: de tema campesino, refleja el rezo del ángelus de dos campesinos en un descanso de la labor. Es una composición simple, con figuras inmóviles, monumentales, que contrastan con el espacio vacío y los efectos de luz que crean una atmósfera poética. Millet influirá en un pintor tan distinto a él como Van Gogh.

El Romanticismo en España

2010-06-08T09:32:00.000-07:00

Juana la Loca de Francisco Pradilla

El testamento de Isabel la Católica de Eduardo Rosales

La Condesa de Vilches, de Federico de Madrazo

El Viático, de Leonardo Alenza

La Vicaría de Mariano Fortuny

Jenaro Pérez Villamil: San Juan de los Reyes

El romanticismo en España presenta cuatro tendencias:

a)La pintura de paisaje, siguiendo la corriente europea, que en España se une al sentido de lo pintoresco. Pérez Villaamil y Fortuny pertenecen a esta corriente.

b)La costumbrista, que resalta lo folclórico y pintoresco. Pretende representar fielmente las costumbres como medio para recuperar las raíces del pasado nacional. El referente de esta tendencia es Goya. Rompen con el academicismo decimonónico, siendo muy avanzado en temas y técnicas para su época. Los principales pintores fueron Leonardo Alenza, Valeriano Domínguez Bécquer y Eugenio Lucas.

c)La del retrato, que sirve al ideal romántico de la fama después de la muerte de compromiso con la sociedad de su época. Los autores de esta tendencia están influidos por la tradición española y el clasicismo francés. Sus modelos son hombres de negocios, militares y políticos. Federico Madrazo destaca en esta tendencia., así como Antonio Esquivel y Joaquín Espalter

d)La histórica. Esta tendencia ha tenido oscilado entre la crítica y la admiración desde el siglo XIX hasta hoy. Durante el franquismo sirvió como medio de propaganda y desde la Transición Democrática, por el contrario, ha sufrido olvido y rechazo. Los dos principales artistas fueron Eduardo Rosales y Francisco Pradilla.

Jenaro Pérez Villaamil (1807-1854): Recogió paisajes y costumbres en su obra España artística y monumental. Realiza también obras de tema oriental.

Mariano Fortuny (1838-1874): Su obra es muy variada. Su dominio del dibujo, el gusto por la combinación del color, la luz y la sombra son alguna de sus principales características como pintor. Es heredero de Velázquez y Goya; su facilidad para entrar en contacto con los temas del gusto de la sociedad de su época le hace el pintor favorito de la época. Una de sus obras más importantes es “La vicaría”. En ella destacan la armonía, la pincelada suelta, el acercamiento al retrato y el interés por el ambiente. De ella se dijo que “era un esbozo” de Goya.

El Romanticismo inglés: Visionarios y paisajistas

2010-06-07T14:55:00.000-07:00

Lluvia, vapor y velocidad de William Turner:
En un paisaje incorpóreo, disuelve las formas e intenta representar lo efímero

El carro de heno de Constable

Newton de Blake

La Pesadilla de Füssli

El romanticismo británico presenta dos tendencias diferentes: Una la de la pintura visionaria, la del mundo de los sueños , la de las visiones personales y cosmológicas, cuyos representantes fueron Henry Füssli y William Blake; otra, la del paisaje, con John Constable y William Turner.

Los autores de la primera tendencia muestran una pintura llena de imágenes fantásticas trabajadas con líneas sinuosas que hacen del color un elemento secundario. Se inspiran en obras literarias clásicas o del Renacimiento (Homero, Dante, Shakespeare o Milton) de las que extraen visiones íntimas y místicas, dando entrada a lo horrible y erótico. La obra de Henry Füssli “La Pesadilla” es un ejemplo de esta tendencia. Lo onírico, lo mágico y lo fantástico, unido a lo erótico nos traslada a un mundo fascinante; aunque horrible y dramático. Su técnica, de influencia clásica (Miguel Ángel y la escultura clásica son sus fuentes) es contenida y medida. William Blake por su parte, ilustró obras tan importantes como “La Divina Comedia” de Dante o “El Paraíso perdido” de Milton. Se rebela contra el racionalismo, el materialismo y el cristianismo tradicional. Consagra su obra a una visión cosmológica totalmente personal; se le ha considerado precedente del surrealismo. Estéticamente es heredero de la miniatura medieval en su concepción del espacio; frente a otros autores prefiere más la línea y el dibujo, pero es romántico en el sentimiento y el misterio que su obra denota.

Los artistas ingleses no buscan lo sublime en el paisaje, sino lo pintoresco. Todo es digno de ser pintado; no solo los grandes paisajes, sino también el paisaje rural y campesino. Además a los ingleses no les atrae el tema político, por lo que centran su interés en la naturaleza. La concepción que tienen de ella es empírica : pintan paisajes reales a partir de bocetos al aire libre. El paisaje es usado por Constable y Turner para llevar a cabo sus innovaciones en el arte.

John Constable (1776-1837) fue uno de los primeros en investigar los cambios que los fenómenos atmosféricos producen en la percepción de los objetos. Rechazó la línea, siendo un precedente de los impresionistas a través de la Escuela de Barbizon. “El carro de heno” y “La catedral de Salisbury” son algunas de sus obras más importantes. “El carro de heno” representa una escena rural y agrícola, con un carro de heno en primer plano. En el cuadro la atmósfera adquiere importancia. La técnica usada es el empastado. El autor, antiacademicista, vive el arte como algo personal, individual. La naturaleza no se encuentra en otros cuadros, sino en la misma naturaleza. Los paisajes de Constable pertenecen al mundo cotidiano, real, en apariencia insignificantes; el autor reivindica su belleza y su dignidad para ser pictórico. Es la esencia de lo pintoresco. A estos paisajes, casi una instantánea de la Inglaterra del momento, se les conoce como “paisajes retrato” en los que el autor trata de reflejar la belleza de lo aparentemente ínfimo.

William Turner (1775-1851) priorizó el color y la luz frente a la línea y el contorno. Representó la escasa densidad de las masas (vapores, humos y agua). Estudió la fusión entre objetos y atmósfera. Las ideas de Turner son más avanzadas que las de sus contemporáneos. Su pintura es muy personal, de tal manera que se considera a sí mismo un incomprendido. Lleva al extremo la idea de la unión hombre-naturaleza. En sus cuadros todos los elementos terminan siendo etéreos. La luz es la protagonista, disolviendo y fundiendo todos los demás elementos debido a su intensidad y fuerza expresiva. La obra acaba perdiendo la idea de descripción, convirtiéndose en una exposición de sentimientos. El color sirve a la estética, libre y provocador.

Una de sus principales obras es "Lluvia, vapor y velocidad" donde desarrolla sus ideas estéticas de forma extraordinaria: la velocidad, el vapor, la niebla y el ferrocarril se funden en un todo, logrando una atmósfera totalmente unitaria en la que no hay contradicción entre naturaleza y progreso; al contrario, consigue captar el ambiente donde ambos se mezclan. Es un artista que llega al borde de la abstracción.

El Romanticismo: Alemania y Friedrich

2010-06-07T14:17:00.000-07:00

El monje frente al mar

Caminante frente al mar de niebla

Caspar David Friedrich

El romanticismo alemán destaca en la pintura del paisaje, al que sublima, ante el que puede sentir miedo, pavor, pero también admiración ante lo grandioso e inconmensurable de la naturaleza.

Otras características son: interés por los edificios medievales, por los grandes paisajes de montañas, ante los cuales el hombre se siente empequeñecido; presencia de elementos hostiles y desatados de la naturaleza; perspectivas muy forzadas (barrancos, abismos) que denotan una naturaleza salvaje; presencia de cementerios, símbolo de glorias pasadas y a las que se recurre para cimentar el ideario político nacionalista. sobrecogimiento,

Caspar David Friedrich (1774-1880)

Toma apuntes del natural, en ese momento importante novedad, pero que más tarde se convertirá en fundamental para los impresionistas. A Friedrich le influye la tradición paisajística holandesa a la que le da un nuevo sentido, plasmando sus sentimientos en el paisaje representado. Trata de recoger el misterio, la armonía de la naturaleza a la que aporta su mundo interior y le otorga un carácter casi religioso; le da efectos de nocturno y carácter evocador. Sus obras más importantes son “El monje frente al mar” y “Caminante frente al mar de niebla”. En estas obras representa el concepto de lo sublime, de la naturaleza que sobrepasa, que empequeñece a la figura humana. El hombre se presenta como un ser insignificante frente a la naturaleza, su grandeza y poderío; lo que despierta sentimientos de desasosiego a la par que sobrecogimiento y admiración al espectador que lo contempla.

En “Caminante frente al mar de niebla”, Friedrich enfatiza la intensidad emocional situando una figura en primer plano ante la inmensidad del paisaje. Al estar de espaldas, el personaje se sitúa en la posición del espectador con lo que éste puede identificarse con la figura y tomar su propio punto de vista. En “El monje frente al mar” el autor reduce la magnificencia de la naturaleza a dos grandes franjas de color, una de cielo y otra de tierra. La figura humana representada en el monje aparece de manera insignificante.

El Romanticismo: Eugène Delacroix

2010-06-07T14:02:00.000-07:00

La muerte de Sardanápalo

La libertad guiando al pueblo

La matanza de Quíos

La barca de Dante

Grecia expirando en las ruinas de Missolonghi

Eugène Delacroix (1798- 1863)

Es el autor más importante del romanticismo. Seguidor de Rubens y de Veronés, es un defensor del color y del antiacademicismo, frente a Ingres con quien discutirá sobre la preeminencia del color o el dibujo. La desmesura, la tensión y el dinamismo, la expresión y la libertad individual son otros elementos de su pintura. Devoto de Géricault, su primera obra se basa en “La Balsa de Medusa” de éste. En su juventud realiza “La matanza de Quíos”, más tarde viaja a Londres de donde adopta temas británicos y a su vuelta pinta “La muerte de Sardanápalo” y “La libertad guiando al pueblo”. Posteriormente hace un viaje a Marruecos, adoptando temas árabes y exóticos en sus pinturas, como “Mujeres en Argel” o “Recepción del embajador de Francia por el Sultán”.

Obras:

“Grecia expirando en las ruinas de Missolonghi”: Representa la lucha de los griegos por su independencia, con una mujer, símbolo de la libertad, sobre unas ruinas griegas.

“La matanza de Quíos”. Esta obra causó un gran impacto en su época, ya que rompe con todo lo establecido. No hay composición, el tema es desagradable y la concepción anticlásica: no se busca la belleza, ya que su objetivo es ensalzar la independencia griega y denunciar la violencia ciega que ejercen los opresores turcos.

“La barca de Dante” donde se aprecia la atracción por lo medieval y la naturaleza hostil que sobrepasa al ser humano, la idea de angustia y dolor físico.

“La libertad guiando al pueblo”: Exaltación de los hechos revolucionarios franceses de 1830, en los que el propio autor participa. Es una de las imágenes simbólicas de la libertad y de los ideales revolucionarios decimonónicos. En ella se aprecia influencia de Goya y de Géricault (los muertos en primer plano nos recuerdan a la balsa de Medusa). Delacroix innova en el color, con tonos sueltos y en la perspectiva, lograda con una luz violenta que crea una atmósfera de tensión y drama.

“La muerte de Sardanápalo”: Representa a un sátrapa asediado por sus enemigos, que ordena reunir sus posesiones y mujeres y suicidarse. La escena es abigarrada, agitada, sensual y violenta. Línea diagonal central desde arriba que es el fondo (el sátrapa), hasta el primer plano, la línea representa la muerte y la destrucción. El color rojo predomina en la zona central y el verde en la periferia, contrastándose por yuxtaposición.

El Romanticismo: Theodore Géricault

2010-06-07T13:35:00.000-07:00

LA BALSA DE LA MEDUSA

El Romanticismo es el movimiento artístico protagonista de la primera mitad del siglo XIX. Este estilo se vive también en la literatura y la música; además de en las artes plásticas.

Hölderlin sintetiza el nuevo espíritu: “El hombre es un dios cuando sueña, un mendigo cuando reflexiona”. Conforme a esta nueva sensibilidad, los contornos se difuminan, se confunden los colores, se extrae al personaje de los escenarios pictóricos. El tema, cuando existe, queda subordinado a la mera observación la lectura del cuadro es reemplazada por la ensoñación, lo reflexivo y objetivo, por lo subjetivo e imaginario. La racionalidad desaparece ante la irrupción del mundo sensible.

El Romanticismo irrumpió en la historia del arte, desarrollando concepciones que perviven hoy. La obra de arte es resultado de un proceso singular de creatividad; experiencia vital única e irrepetible. Nace la imagen del artista como un ser genial, y de la obra de arte como producto de una repentina inspiración, que al resto de los mortales le está restringida. Conforme a ésto, el cliente romántico da más valor al boceto o al dibujo preparatorio que a la obra acabada. En aquello prevalece lo fugaz., la creatividad pura sin el filtro de la reflexión que termina imponiéndose en la obra definitiva.

Surge como reacción a la pintura academicista y a la propia evolución histórica: la caída del Antiguo Régimen y las Revoluciones Burguesas del siglo XIX. La pintura romántica se preocupa en sugerir y evocar más que en presentar contenidos o narraciones para su lectura. El subjetivismo del autor prima por encima de lo demás; genera visiones y planteamientos distintos.

La obra de arte romántica se podrá identificar por la expresión, por la individualidad del artista, por lo antinormativo y sobre todo, por la intensidad emocional. Esto ha llevado a decir que el romanticismo no es un estilo, sino un sentimiento.

El gusto por lo exótico, la libertad, las tradiciones culturales de los países, la defensa del genio del artista; asentar el presente y el futuro en el pasado, el compromiso político con el nacionalismo y el independentismo, son caracteres comunes de muchos artistas románticos. Dos conceptos surgen en este momento: “lo sublime” (lo que va más allá de la mesura, como la naturaleza); la grandiosidad y desmesura que crean intranquilidad y desasosiego adquieren importancia y vigencia en el mundo artístico; y lo pintoresco, en el que el artista comienza a buscar la belleza no solo en los temas elevados (religión, mitología, lo heroico) sino también en lo común y cotidiano, en lo doméstico, aunque esto lleve a representar lo duro y áspero. La naturaleza, para los románticos, no es sólo motivo de sus obras, sino fuente de sentimientos. El artista es el intérprete de esos sentimientos entre la naturaleza y el espectador.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA ROMÁNTICA

Rechazo del imperio absoluto de la razón
Exaltación de lo misterioso y pasional, de la libertad y del patriotismo
Reivindicación de lo medieval.
Valoración de lo individual y subjetivo
Prima el color y la luz sobre la línea y el contorno. El color expresa la personalidad del autor.
Ruptura con los convencionalismos neoclásicos y la uniformidad estilística.
Composiciones dinámicas, tensas, aparentemente caóticas o desordenadas
Prefieren los gestos dramáticos frente a la quietud y serenidad clasicista.
Los temas dejaron de centrarse en héroes, dioses y vencedores, para optar por hombres anónimos, masas populares, supervivientes y derrotados.
El paisaje romántico representó una naturaleza violenta y dramática, que redujo la presencia del ser humano. Cobró un aspecto nostálgico, incluyendo ruinas y nieblas.
Temática del pesimismo: locura, muerte; también el nacionalismo, la libertad y el orientalismo.
Diversidad de escuelas que siguen la tradición de un país: Francia y su evolución política, con Géricault y Delacroix; Alemania y su lucha por la unificación (Friedrich); Gran Bretaña y el gusto por el paisaje (Constable) y España con sus géneros característicos como el costumbrismo y la historia.
Compromiso histórico: incluyen temas bélicos y desastres.
Predominio de las artes figurativas más receptivas al sentimiento que la arquitectura, tradicionalmente portadora de los valores del pasado.

ESCUELAS Y AUTORES ROMÁNTICOS

FRANCIA

Los primeros pasos del romanticismo en Francia los dan algunos de los discípulos de Louis David: el más importante, Antoine-Jean Gros que sirve de enlace entre el Neoclasicismo y el pleno romanticismo. Gros difunde la figura e imagen de Napoleón como gran héroe, es decir, como guerrero.

Sin embargo, los autores franceses románticos por excelencia son Théodore Géricault y Eugène Delacroix

THÉODORE GÉRICAULT (1791-1824): Seguidor de Miguel Ángel y Rubens, representa formas agitadas y retorcidas, que mostraban los sufrimientos del hombre común. Su vida, breve e intensa y una muerte violenta, fueron un símbolo para los artistas de su época. En su pintura priman las emociones y se preocupa por los personajes pobres y marginados de la sociedad. Su obra principal es “LA BALSA DE LA MEDUSA”. La obra, con clara finalidad política era una evidente crítica dirigida al Gobierno. El tema, un hecho real, (el Medusa , un barco francés que se hundió y del cual logró sobrevivir un grupo de personas en una balsa) y sirve al pintor para mostrar en toda su crudeza la lucha del hombre contra la muerte y las fuerzas de la naturaleza El autor refleja el momento en el que los supervivientes de un naufragio, tras muchos días a la deriva y de una situación desesperada, descubren a lo lejos el humo de un barco; símbolo de salvación y de esperanza. La influencia de Miguel Ángel se percibe en los musculosos cuerpos. Esta obra es, además, una primera aproximación al realismo, por el deseo de documentarse y describir científicamente lo ocurrido. La intensidad emocional y el dramatismo son rasgos destacados de esta obra. A ello ayudan tanto los elementos formales como los iconográficos. Entre los primeros, la utilización violenta del color y la composición, que nos muestra cadáveres y moribundos en primer plano, y la luz crepuscular que nos habla de tragedia.

Escultura Gótica

2010-04-04T01:36:00.000-07:00

Las Artes Figurativas Del Gótico (I)

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Arquitectura Gótica II: España

2010-03-16T09:43:00.000-07:00

La Arquitectura Gótica en España

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Arquitectura Gótica I: Europa

2010-03-12T10:59:00.000-08:00

Arquitectura del Gótico en Europa

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Románico: Las Artes Figurativas

2010-02-22T12:17:00.000-08:00

Artes Figurativas del Románico

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Arquitectura Románica

2010-02-13T08:50:00.000-08:00

Arte Románico: Arquitectura

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El Arte Prerrománico

2010-01-24T11:49:00.000-08:00

Arte Prerrománico

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El Arte Hispano-Musulmán

2010-01-08T13:27:00.000-08:00

Arte Hispano Musulman

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Arte Paleocristiano y Bizantino

2009-12-27T15:54:00.001-08:00

Arte Paleocristiano y Bizantino

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Arte Romano

2009-12-04T11:40:00.000-08:00

El Arte De Roma

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Arte Griego

2009-11-14T10:11:00.000-08:00

Arte Griego

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Arte griego

2009-11-14T08:32:00.000-08:00

Koré del peplo

Entre las manifestaciones plásticas del arte griego brilla con luz propia la escultura. La cultura griega, claramente antropocéntrica e idealista, encuentra en el modelado de la figura humana su principal vía de comunicación. La escultura griega camina de la mano de la evolución del pensamiento y de las distintas etapas de su historia. Los artistas plasmaron en su obra los valores, deseos e inquietudes de la sociedad de la época que les tocó vivir. La estatuaria griega introduce novedades importantes e influye de forma extraordinaria en la escultura posterior: Roma, el Renacimiento y el Neoclasicismo, entre otros estilos, son buenas muestras de dicha influencia. Es significativo que a la arquitectura se le de valor escultórico, lo que lleva a comprender la influencia de la misma en su sensibilidad. La búsqueda de la belleza, de la armonía, de la proporción del cuerpo humano, del equilibrio y de la unión del cuerpo y del espíritu: la denominada sofrosyne plasmada en la idealización expresiva. La belleza racional, fundada en las matemáticas, en la medida y proyectada en el hombre; en un hombre que "es la medida de todas las cosas". Se deja atrás la visión teocéntrica, áulica o zoomorfa de épocas anteriores. La periodización de la escultura sigue la de la arquitectura y la historia de la polis griega : Arcaica, clásica y helenismo.

Kourós de Melos

Dama de Auxerre

La escultura arcaica

La escultura arcaica presenta dos tipos de figuras: las masculinas o Kourós, que representan atletas desnudos y las Korai o figuras femeninas vestidas que representan sacerdotisas. Tiene una fuerte influencia egipcia: frontalidad, rigidez, brazos pegados al cuerpo, puños cerrados, sonrisa arcaica, una de las piernas avanzadas. El sentido del bloque del que parece que no va a poder desprenderse, la esquematización y la frontalidad. El predominio de elementos geométricos en las soluciones anatómicas, imponiendo músculos potentes y ojos globulares y almendrados. Cleobis y Bitón o el kurós de Naixos muestran este esquema. El Kurós de Melos muestra ya una pequeña evolución, menor tosquedad en la factura de brazos y piernas; la cara muestra rasgos de belleza oriental (ojos almendrados, rasgos finos, sonrisa y pelo rizado muy geométrico). La figura carece de movimiento y aún es hierática como las de Cleobis y Bitón. Sin embargo, se advierte interés por el modelado en el torso y por dar un aire más ligero a la figura.
La Dama de Auxerre es la primera escultura en piedra que se conserva completa. En ella podemos apreciar todas las características formales de las korai, especialmente su sentido de bloque cerrado y su rígida frontalidad. Sin embargo, vemos diferencias en la talla: más tosca en la parte inferior, mientras que en la superior hay mayor detallismo en el peplo, el paño de lana decorada con cenefas incisas y la ancha correa a la cintura. El pelo está trabajado con detenimiento, dando a la obra mayor naturalismo, acentuado por el trabajo en los senos. El rostro continúa sin fijar la expresión, y su forma triangular tiende a la idealización. La sonrisa arcaica, la desproporción en manos y pies, los ojos almendrados carentes de expresividad son detalles que caracterizan a esta figura. El faldellín que la cubre de la cintura a los pies muestra una sencilla decoración geométrica de líneas rectas horizontales y verticales que contrastan con las líneas curvas de la parte superior (pelo, senos, brazos). La Koré del peplo muestra un avance en la expresión y calidad de las facciones , la forma más suave de la boca y ojos es ya un anuncio del clasicismo. Las trenzas minuciosamente trabajadas y la delicadeza del rostro contrastan con el desinterés por la anatomía que se cubre totalmente con el peplo, éste sí trabajado con detalle.

El Arte Egipcio

2009-10-17T10:16:00.000-07:00

El Arte Egipcio

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Introducción a la Historia del Arte

2009-10-03T08:38:00.000-07:00

Introducción A La Historia Del Arte

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Comienzo de curso

2009-10-03T07:32:00.000-07:00

"Los plañideros" de Claus Sluter.
Sepulcro de Felipe el Atrevido

Capilla Brancacci. "El Tributo de la moneda"
Tomasso Masaccio

Daniel en el pozo de los leones. San Pedro de la Nave, Zamora
Capitel visigodo

¡Bienvenidos al Blog de Arte de Mercedes!. Ha comenzado un nuevo curso y aquí estamos otra vez, después de las vacaciones de verano. Sin embargo, el interés por el arte y la belleza, la búsqueda y el estudio de los maestros y sus obras han permanecido y continuado presentes todo este tiempo. Doy la bienvenida a los que en septiembre habéis empezado a estudiar Historia del Arte. Espero que este Blog, así como el de Apuntes de clase de Arte, os sirva como recurso y apoyo para las clases, además de solaz y entretenimiento; ya que el Arte sirve para todo eso y más. Cuando vemos una Catedral gótica o una iglesia románica; un Palazzo del Renacimiento o un edificio de la Escuela de Chicago; una escultura clásica griega o una pequeña estatuilla del Paleolítico Superior; un fresco, un retablo o un lienzo de diversas épocas; un mosaico romano o bizantino; marfiles o esmaltes de toda índole, estamos presenciando cómo sentían, pensaban, creían, vivían o morían los hombres y mujeres de ésas épocas. No nos podemos quedar indiferentes ante una manifestación del espíritu humano como es el arte. Toda obra de arte, ya sea arquitectura, escultura, pintura o artes decorativas muestra cómo eran las personas que las realizaron, ejecutaron y pensaron. Nos expresan siempre necesidades, expectativas y deseos, siendo el proncipal de todos el de permanencia. Ya busque la belleza, la armonía, la proporción, la perspectiva, el color o volumen; enseñar una doctrina o mostrar el poder de quien lo encarga; siempre aparece detrás el artista y por debajo de éste la forma de "mirar" del hombre o de la mujer que en esencia es por encima de todo. Espero que disfrutéis con estas imágenes que os voy a poner, como yo lo hice al verlas y fotografiarlas.

Caravaggio, la Vocación de san Mateo y la percepción de un escritor

2009-06-20T07:03:00.000-07:00

Aunque sea volver sobre un tema que ya se ha visto, hoy me encontrado con un artículo interesantísimo en Babelia sobre Caravaggio y su magnífica obra, la "Vocación de san Mateo." Os aconsejo que pinchéis aquí y lo leáis: no tiene desperdicio.

El Arte Neoclásico

2009-06-09T06:41:00.000-07:00

La gran odalisca de Ingres

Es un cuadro con tintes románticos como la sensualidad y el gusto por lo oriental. Muestra belleza ideal. Ingres es un pintor clasicista con tintes románticos.

Muerte de Marat

Cuadro que con sencillez muestra la grandeza moral y dignidad del revolucionario francés. Marat fue asesinado por Carlota Corday en la bañera. Domina un gran vacío en la parte superior.

Napoleón Bonaparte cruzando los Alpes

El juramento de los Horacios de David

En el cuadro se representa un tema de la historia de Roma. Los hermanos Horacios juran entregar su vida en defensa de su patria. Las fifguras colocadas sobre un fondo arquitectónico clásico sencillo, destacan por su nitidez, enmarcadas y separadas por arcos. El heroísmo de los hermanos contrasta con el dolor de las mujeres. En el cuadro se unen dolor y heroísmo , para convencer del patriotismo y de la virtud heroica.

Paulina Borghese

Eros y Psique

Eros y Psique de Antonio Canova (detalle)
Eros y Psique, obra de Antonio Canova. Las figuras mitológicas se disponen en forma de X , con ambigüedad psicológica y erótica. Torsión y belleza ideal. Escultura en piedra.

Puerta de Alcalá de Sabatini

Sigue el modelo de arco de triunfo romano, con cinco vanos, los dos extremos adintelados y los tres centrales abovedados. Tiene el techo con remates.

Museo del Prado de Juan de Villanueva

Fue encargado por Carlos III. Iba destinado a Museo y Academia de Ciencias Naturales. Su planta, muy alargada, paralela al Paseo del prado, al que se abre la entrada principal. Villanueva dispone un cuerpo central con la entrada porticada y salón de actos, y dos cuerpos laterales unidos al central por dos brazos que acogen las salas de exposioción. Es una planta racional. Se usa piedra y ladrillo en la fachada. La entrada principal tiene pórtico dórico con orden gigante. Las galerías de los brazos se cierran con columnata jónica en el primer piso y arcos y hornacinas en la planta baja. El conjunto se une con cornisas y molduras. Su interior es racional, con elementos constructivos y sabor purista.

Santa Genoveva o Panteón de hombres ilustres, de Soufflot

Tiene concepción griega en la portada y barroca en la cúpula. En él se encuentran las tumbas de los hombres ilustres más importantes de la historia de Francia. Su arquitecto es Soufflot.

La Madelaine de Vignon

Fría versión de un templo clásico, está colocado sobre un podio o basamento, de orden corintio compuesto.

El arte Neoclásico se impuso en la segunda mitad del siglo XVIII y primera mitad del siglo XIX. El prefijo "neo" indica su relación con un período artístico anterior, de un pasado que se revive. El estilo neoclásico tiende a la liberación de las suntuosas formas del Barroco y del Rococó, inspirándose en la sencillez del arte clásico. Se presenta como reacción a las exageraciones del Barroco.
El surgimiento del nuevo arte está ligado a tres fenómenos:

a) El triunfo de la Ilustración, movimiento cultural que busca el predominio de la razón. El Rococó será considerado un estilo irracional, por sus excesos decorativos y su gusto por lo intrascendente. La razón en la creación artística resulta arrolladora en la arquitectura, como la esencia misma de la actividad creadora. En la escultura y la pintura no es tan determinante, aunque es evidente.
b) La admiración por el arte clásico, después de que Winckelmann descubriera las ruinas de Pompeya y Herculano. Se defiende la superioridad del arte clásico, que habría alcanzado la perfección. El Barroco sería el comienzo de la degeneración del arte.
c) Este regreso al clasicismo se verá reforzado por las revoluciones políticas en Estados Unidos y Francia. Los nuevos regímenes políticos liberales adoptarán como lenguaje artístico oficial el clásico. Es un estilo comprometido con su tiempo, y se identifica con valores como virtud cívica, patriotismo, honestidad y austeridad con los que la burguesía se enfrenta a las clases dominantes del Antiguo Régimen contra el que lucha.
Las últimas décadas del siglo XVIII verán surgir la estética como teoría de las condiciones de la belleza y del arte y el concepto de artista; una nueva noción de artista como genio único e irrepetible. Su relación con la sociedad se hará más compleja. Cambia la clientela artística y la función social del artista, que estará más unido a la realidad de su momento. El individualismo liberal burgués ayudará a este cambio, surgiendo artistas como Francisco de Goya que escapan a la rigidez de limitar a un artista en un único estilo o tendencia. Estos artistas enriquecerán el nacimiento del arte contemporáneo.
El Neoclasicismo no sólo inspiró las actividades artísticas, sino que impregnó la vida social de la época. Es Francia el foco de irradiación tanto del Rococó como del Neoclásico y es la nueva dinastía reinante en España, los Borbón, quienes introducen este nuevo estilo en nuestro país. Aunque hay diversidad de centros artísticos, (Londres, Venecia, Madrid o Viena), se puede hablar de unicidad en el lenguaje. Los nuevos estudios de Historia del Arte consideran que el Neoclásico presenta cierta continuidad con el Rococó, pues aunque los cambios estéticos, formales y conceptuales son muy claros, el nacimiento del nuevo estilo estuvo muy ligada a la Monarquía y a la aristocracia ilustrada. Tanto la creación de Academias de Bellas Artes, como las excavaciones arqueológicas del siglo XVIII se llevan a cabo por fundación real o bajo la protección del monarca (Fernando VI y Carlos III respectivamente).
Estudiando el Neoclásico a través de las diversas manifestaciones del arte, podemos empezar por la arquitectura.

La Arquitectura del Neoclásico

Las características que definen al nuevo estilo serían las siguientes:
1) Equilibrio, reposo y simetría
2) Imitación de los estilos clásicos, no existiendo gran originalidad.
3) Predominio de los órdenes dórico y jónico.
4) Tanto los edificios religiosos como civiles presentan exteriores de templo griego
5) Abundancia de columnas y graderíos
6) Decoración con medallones elípticos y meandros.
7) Se erigen monumentos conmemorativos imitando al arte greco-latino: arcos de triunfo y columnas.
8) Uso de águilas y ornamentos egipcios, además de pinturas de estilo pompeyano.

Dentro de las diversas interpretaciones del neoclasicismo, los arquitectos comparten el deseo de profundizar en la pureza de formas, asimilar la lección del pasado grecolatino, tanto matertial como moral, concibiendo el ejercicio de la arquitectura con un sentido global y trascendente.
En Francia destacan Jacques-Germain Soufflot (Santa Genoveva de París, actual Panteón de hombres ilustres), A.J. Gabriel (Petit Trianon), Pierre Vignon (La Madelaine de París) ; en Inglaterra, John Wood (Royal Crescent); en Alemania, Karl Friedrich Schinckel(Teatro Nacional de Berlín), Karl Gothard Langhaus (Puerta de Brandeburgo, la Gliptoteca de Munich y el Ermitage de San Petersburgo) y en España, Ventura Rodríguez (Pilar de Zaragoza) Francisco Sabatini (Puerta de Alcalá y la Aduana, en Madrid) y Juan de Villanueva (Museo del Prado, Observatorio Astronómico y las puertas del Jardín Botánico). Este último es uno de los arquitectos más originales y de mayor categoría del panorama europeo de su época. Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, lo que le proporcionó la base teórica. Su viaje a Roma , sus estudios de los monumentos musulmanes en España y los trabajos que realizó en El Escorial completaron su formación. Su estilo de gran originalidad y calidad, con influencias palladianas.

La Escultura Neoclásica

La escultura neoclásica muestra las siguientes características:

1) Regreso a la temática y al estilo de la Grecia antigua.
2) Uniformidad en todos los países
3) Vuelta al desnudo y a los temas mitológicos

El artista más destacado es el veneciano Antonio Canova (1757-1822). Posee una gran riqueza formal. Se inspira en las formas naturales, sublimándolas, en el ideal de belleza de los modelos clásicos. Buscó siempre la objetividad en sus obras. Trabajó como Miguel Ángel y Bernini el mármol, pero también el bronce. Sin embargo, no es un escultor frío. Se detecta cierta sensualidad y emotividad en sus figuras, que unido a la multiplicidad de puntos de vista, le configuran como un escultor equilibrado y en un precedente de la escultura posterior. Entre sus obras destacan Amor y Psique, Paulina Borghese (como diosa griega, al estilo de Venus Afrodita) y los monumentos funerarios del Papa Clemente XIV o de la Reina Cristina de Austria. Como se ve, trata temas como el mitológico o el retrato. Sus líneas son elegantes y nítidas, sin irregularidades, con suaves texturas. Destacan la austeridad y claridad compositiva, unida a una gran sensibilidad y capacidad para captar las emociones.

La Pintura Neoclásica

La Pintura neoclásica se caracteriza por:

1) Predominio del dibujo sobre el color.
2) Dibujo cuidado
3) Los fondos de naturaleza y paisajes idealizados
4) Composiciones calcculadas y geométricas, frente a las más complejas del Barroco.
5) Las formas solemnes, perdiendo la naturalidad del Barroco y la gracia del Rococó.
6) Abundancia del desnudo, incluso en temas con personajes contemporáneos, que en ocasiones se representan mitológicamente.
7) Temática moralizante y ejemplar, desde el punto de vista político y social. Para ello usaro héroes griegos y romanos, así comolos grandes episodios que les tocó vivir, como la Revolución Francesa.
Se puede destacar a los siguientes autores: Jacques-Louis David ( el más importante), Ingres, Mengs y Goya

Jacques-Louis David (1748-1825) se inspira en la austeridad y en la severidad de la Grecia clásica. Le gustan los temas heroicos. Al vivir la transición del Antiguo Régimen al Estado Liberal estuvo marcado por las gestas heroicas de los ciudadanos. Conoció las ruinas de la Antigüedad en su viaje a Roma y los artistas del Renacimiento, como Rafael. Su obra, "El juramento de los Horacios" la pintó en Roma. Amigo de Robespierre, defensor del Terror de la Revolución, pintó "Muerte de Marat" en la época en que hizo propaganda revolucionaria. Posteriormente, retrató a Josefina y a Napoleón Bonaparte. Con la derrota de Napoleón se exilió a Bélgica ante el regreso de los Borbones donde murió. Sus cuadros suelen ser escenas de interior, las figuras se unen con composiociones rígidas y la temática es moralizante desde el punto de vista político. El claroscuro, de influencia caravaggesca lo utiliza para resaltar determinados personajes o detalles.

Pintura Barroca Española

2009-06-08T14:47:00.000-07:00

Pintura Barroca Española

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Pintura del Barroco

2009-06-02T09:59:00.000-07:00

Pintura del Barroco

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Pintura Gótica 3 : Patinir y El Bosco

2009-05-24T13:52:00.000-07:00

Tabla derecha: El Infierno

La expulsión del Paraíso, Tabla izquierda

El Carro de Heno, Tabla central

La mesa de "Los siete pecados capitales"

La extracción de la piedra de la locura

Patinir y EL BOSCO

Patinir y El Bosco son dos pintores en los que el paisaje alcanzó un importante desarrollo y porque representan una clara evolución respecto a los demás pintores primitivos flamencos.

Joachim Patinir (1480-1524): Fue el primer artista que convierte el paisaje en el tema fundamental de su obra. Lo demás es secundario. En sus composiciones el punto de vista está muy alto, de modo que el cielo ocupa un pequeño espacio y los personajes son diminutos elementos que se pierden en la inmensidad. Predominan los azules y los verdes, las montañas acartonadas y las construcciones fantásticas. Todo esto se puede observar en su obra “El paso de la laguna Estigia” donde Caronte transporta en barca un alma, en medio de un verde y húmedo paisaje.

Hieronymus van Aeken Bosch, “El Bosco”(1450-1516): Su nombre deriva de su ciudad natal, Hertogenbosch o Bois-le-Duc en francés, del que tomó la última palabra, bosch. Era una ciudad próspera, cuyos habitantes se dedicaban al comercio, al trabajo del lino y a la fabricación de armas; pero la mayoría de la población era campesina y trabajaba en las labores del campo. El Bosco profesaba un catolicismo ortodoxo y pertenecía a una hermandad religiosa local, aspectos ambos que contrastan con algunas interpretaciones de su obra magna, “El jardín de las delicias”.

El Bosco es uno de los epígonos de la escuela flamenca a la que pertenece, pero se desmarca mediante una concepción pictórica extraordinariamente personal y original. Sus tablas y trípticos se caracterizan por mostrar el ambiguo y contradictorio mundo de las últimas décadas de la Edad Media. En “El otoño de la Edad Media", Johan Huizinga documenta la doble moralidad que manifestaba el individuo de la época. Muestra una sociedad que compaginaba el temor de Dios y de la muerte (no se puede olvidar las epidemias y pestes bajomedievales), al tiempo que disfrutaba plenamente de los placeres de la vida, aunque pudieran suponer una desviación del orden y la mesura que predicaba la Iglesia a la que acudían de forma sincera. Gran parte de su obra se halla en colecciones españolas, dado el interés que despertó en el rey Felipe II. Su formación artística debió realizarse en el pequeño taller familiar. Es posible que viajase por Flandes y que de ese modo llegara a conocer la obra de artistas flamencos anteriores a él. Era un gran admirador de la literatura de su época (Utopía de Tomás Moro; El elogio de la locura de Erasmo de Rotterdam y El Príncipe de Maquiavelo).

El Bosco es un pintor fantástico, de desbordante imaginación, dotado de una gran capacidad crítica y una fina ironía. Sus cuadros, además, son en muchos casos difíciles de descifrar. Entre sus obras destacan “El jardín de las delicias”, “El carro de heno”, “La extracción de la piedra de la locura”, Los siete pecados capitales”, "La nave de los locos" ; todos ellos universos simbólicos que plantean abundantes dudas para una mentalidad alejada del pensamiento , costumbres y creencias medievales. Del análisis de su obra se deduce su gran capacidad imaginativa y fantasía desbordante. El Bosco supuso la tendencia flamenca a lo fantástico e imaginativo a partir de seres fantásticos y monstruosos. Se considera como fuente de inspiración del movimiento surrealista del siglo XX (Dalí).

Su pintura moralizante, humorista, imaginativa y mordaz, versa sobre las costumbres de la sociedad, a partir de extrañas y complejas composiciones con abundantes figuras y escenas. Numerosas figuras protagonizan sus cuadros, unas extraídas de la realidad cotidiana y otras producto de la fantasía medieval y de la propia creatividad del pintor, que mezcló formas antagónicas y yuxtapuso miembros de seres o criaturas reales e imaginarias. Esta riqueza visual siempre despertó interés y admiración a lo largo de los siglos. De hecho, el surrealismo asume como antecedente la obra y la concepción artística de El Bosco. Buena parte de su obra se inspira en dichos y refranes, en la literatura satírica y cortesana de los siglos XV y XVI, lo que ayuda a interpretarla y a rechazar lecturas rebuscadas. Además, algunas de las imágenes empleadas coinciden formal y semánticamente con las que aparecen en ménsulas, capiteles, misericordias, libros de horas y salterios contemporáneos. Su simbología, pues, era común y comprendida en la época que le tocó vivir. Los que no tenemos el código que puede descifrarla somos nosotros.

Todos los temas que trató interesaban a la sociedad de su época, y él supo hacer accesibles estas preocupaciones sociales y religiosas que parecían privativas de la literatura y de la sociedad culta. Hasta entonces ningún pintor había intentado fusionar lo cristiano con lo pagano.

“EL CARRO DE HENO”

"El carro de heno" fue pintado por El Bosco entre 1485 y 1490. Es un tríptico que se encuentra en el Museo del Prado y a primera vista parece una obra insólita. Está repleta de personajes y objetos que en su mayoría no guardan relación: en el centro, un carro cargado de heno pero sobre la hierba muerta crece un matorral. Tres personajes tocan sus instrumentos delante del matorral, mientras un ángel y un demonio los flanquean, representados con idéntico realismo. Detrás del carro cabalgan el Papa, el Emperador y el rey, como si los grandes señores tuvieran como costumbre acompañar solemnemente a la hierba muerta. Alrededor del carro, aparecen hombres y mujeres que, con la ayuda de escaleras, horcas, ganchos o con las mismas manos, intentan arrancar el heno en lugar de sujetar la difícil carga. Pelean entre sí y caen bajo las ruedas del carro. Éste es tirado por criaturas extrañas, una de ellas es mitad hombre, mitad pez; otras parecen seres demoníacos e infernales. Detrás aparece un grupo de gente que intenta salir de un montículo de tierra con una trampilla de madera. El terreno árido del primer plano se contrapone al opulento paisaje del fondo, en la parte superior del cuadro, tan hermoso y apacible como si quisiera reconciliar al espectador con el desorden caótico de abajo. En el ala izquierda del tríptico se representa el Paraíso y en el ala derecha, el Infierno. Así pues, el carro con todos sus personajes se aleja del reino de la inocencia hacia el lugar de castigo de los pecados. La obra, que asemeja un retablo, en lugar de tener en el centro a Cristo en la cruz, hay un carro de heno de gran tamaño en proporción a la superficie pictórica disponible. Los temas que refleja, pues, son dos: el primero, los graves conflictos sociales provocados por el incipiente desarrollo del capitalismo y la acumulación de riquezas que trajo consigo; el segundo, la decadencia de la Iglesia Católica que Lutero denunciaría a comienzos del siglo XVI.

Los escándalos en los monasterios y conventos provoca una crisis espiritual, que se refleja en la solitaria figura de Cristo relegada en el extremo superior y que muestra sus llagas en actitud de desamparo. La inseguridad social y religiosa queda, pues, reflejada en el carro de heno por El Bosco. El heno simboliza lo efímero de la existencia y la avaricia. Todo en esta obra está lleno de simbolismo: la elección que el hombre debe hacer entre el bien y el mal, el pecado y la virtud, el ángel y el demonio. La castidad se muestra a la luz, delante de todos; la lujuria y el pecado, ocultos tras un matorral. El pecado principal del cuadro es la avaricia, pero la lujuria y la gula también están presentes. "El mundo es un carro de heno del cual cada uno toma lo que puede", es un refrán flamenco que posiblemente guió la mano y el pincel de El Bosco. Es una aplastante sátira del mundo que ha abandonado a Dios. El carro de heno muestra el infierno de los vicios, denuncia el gusto por los placeres terrenales lo que anuncia las vanidades de los siglos próximos.

La Crucifixión de San Pedro y la Muerte de la Virgen

2009-05-17T13:28:00.000-07:00

La muerte de la Virgen

La crucifixión de San Pedro

La Crucifixión de San Pedro

Esta obra de Caravaggio se encuentra en la Capilla Cerasi (iglesia de Santa María del Popolo) y la realizó en 1601. Está acompañado de otra tela, la Conversión de San Pablo. El autor tuvo en cuenta el lugar, tanto la arquitectura de la capilla como los frescos que la cubrían. Representa el momento en que San Pedro es crucificado en Roma. Con él se pretende fomentar la fe de los fieles. Los verdugos y el Santo son personajes comunes, sin idealización; la obra muestra un sentido monumental y dramático al mismo tiempo. Los santos se presentan al fiel tan reales y cotidianos para demostrarles que la santidad la puede alcanzar cualquiera. Como en toda su obra, la diagonal y la luz potencian el drama. La luz cae directamente sobre los personajes, resaltando sus gestos y dejando en penumbra el fondo de las escenas (tenebrismo, claroscuro).

La muerte de la Virgen

Fue realizada para la iglesia de Santa María de la Escala entre 1605 y 1606 . Es un cuadro que escandalizó en su época por el crudo realismo con el que se muestra la muerte de la Virgen. Es una obra de dimensiones monumentales, en la que se describe el dolor colectivo de los apóstoles en torno a la Virgen. Se muestra en él el lado más cruel de la muerte: toma como modelo, según la tradición, a una mujer ahogada en el Río Tíber. El dolor y la crudeza son los protagonistas del cuadro.

Caravaggio y la Vocación de San Mateo

2009-05-17T11:45:00.001-07:00

La vocación de San Mateo

Esta obra maestra de Caravaggio, situada en la Capilla Contarelli, de la iglesia de San Luis de los Franceses de Roma, pertenece a la segunda etapa romana del autor y fue realizada entre 1599-1600. Es la más famosa de los tres lienzos que adornan la capilla del cardenal francés Mateo Contarell, dedicadas al Apóstol (San Mateo y el ángel y El Martirio de San Mateo.) La composición tiene dos grupos: por un lado, San Mateo y los recaudadores sentados a la mesa; por otro, Cristo y San Pedro, que acceden a la estancia. En el cuadro llama la atención que no se respeta el contexto histórico en el primer grupo, ya que San Mateo y los que le rodean van vestidos a la usanza de finales del siglo XVI. En cambio, el segundo grupo, formado por Cristo y San Pedro, sí aparecen vestidos de forma “histórica”. Presenta el momento en que Cristo llama a San Mateo como Apóstol, le señala con el brazo y le dice que le siga. (vocare: llamar

En este cuadro se plasman ya los conceptos de la pintura barroca practicada por el artista, destacando sobre todos el que la pintura es la transposición de la vida cotidiana. Por ello usa personajes tomados de la vida real. También es la primera obra en la que usa el tenebrismo. La luz, que organiza el cuadro, proviene de una puerta que se ha abierto en un lateral y no de la ventana, e ilumina a los recaudadores, que se encuentran sumidos en la penumbra de un interior. San Mateo y sus ayudantes, ante la súbita presencia de los recién llegados, vuelven sus cuerpos y rostros hacia la puerta, mostrando una actitud de asombro; en especial San Mateo, que advierte cómo el dedo de Cristo le señala conminándole a que le siga. A la derecha, se ve a dos oficiales que no se han percatado de lo ocurrido y siguen contando los dineros del tributo. El amplio registro de gestos y actitudes, junto con el claroscuro y tenebrismo que dominan la obra, otorga a esta escena el valor de ser la primera en la historia donde se constata un sentido de modernidad narrativa, natural, espontánea y cotidiana, que abre las puertas a una nueva manera de entender la creación pictórica.

Tendencias de la Pintura Barroca Italiana: el Naturalismo

2009-05-17T11:33:00.000-07:00

Muchacho con cesto de frutas

El Naturalismo y Caravaggio

El Naturalismo representa la realidad de forma objetiva, destacando los rasgos crudos y en ocasiones vulgares.

Caravaggio (Michelangelo Merisi, “El Caravaggio”, 1573-1610) es el gran maestro del naturalismo barroco, consistente en un realismo en algunos casos exacerbado y doloroso. Combatió la excesiva artificiosa complejidad del manierismo por medio de interpretaciones desmesuradamente realistas de las escenas y figuras sagradas. Mostró la rudeza y el dramatismo en rostros y actitudes sin excluir lo desagradable. No ocultó su predilección por las composiciones en diagonal y por los escorzos abundantes y forzados.

Toma para todo tipo de composiciones, desde las mitológicas a las religiosas, modelos callejeros, sin someterlos a ningún proceso de idealización.

Este procedimiento resulta muy eficaz para la Iglesia porque el cristiano se reconoce con facilidad en esta pintura; los santos son hombres como todos y parece más fácil el camino de la santidad y los episodios del Evangelio son fácilmente comprensibles. Esta excesiva vulgaridad de los tipos fue la causa de que algunas de sus obras fueran rechazadas.

Junto a la insistencia en lo real utiliza también un recurso importante, al cual sintetiza: el Tenebrismo , consistente en presentar los personajes y los objetos sobre un fondo oscuro, destacándolos con una iluminación dirigida y violenta, como de un foco de teatro, que hace más evidente los gestos y los objetos, atrayéndolos a una especie de primer plano. La oscuridad domina y de ella parecen emerger los personajes del cuadro. El tenebrismo ignora el paisaje, pero valora mucho la naturaleza muerta.

En sus obras también es muy importante la psicología del personaje.

Etapas de la obra de Caravaggio:

1) La Etapa Formativa: En ella tuvo mucha importancia la Escuela veneciana. Sus producciones son obras pequeñas y populares, de género y retratos, detectándose ya en ellos una de sus obsesiones: las calidades táctiles y el bodegón, presentes en Baco, el Cesto de frutas, Medusa y la Buenaventura. Sus primeras composiciones son amables y coloristas, en las que pinta bodegones y personajes populares (Muchacho con cesta de frutas, el Baco enfermo o el Alto en la huida a Egipto).

2) Etapa de desarrollo, en Roma, realizó grandes cuadros de altar: sus obras maestras son grandes cuadros religiosos en los que la voluntaria vulgaridad de los modelos no quita grandeza y emoción a lo representado.

Entre ellas destacan: la Vocación de San Mateo, El Martirio de San Mateo, La Conversión de San Pablo, El Martirio de San Pedro,.El Entierro de la Virgen.

Pintura del Barroco

2009-05-17T11:15:00.001-07:00

Baco de Michelangelo Merisi, "Caravaggio"

Características de la Pintura del Barroco

1) Las técnicas son el temple en pintura mural y el óleo sobre lienzo. La pincelada varía según el autor pero tiende a ser suelta y abierta.

2) Búsqueda de la expresión y el movimiento. Las figuras además de ser realistas deben plasmar los sentimientos humanos, exagerados y efectistas en muchas ocasiones, serenos en otras.

3) Composición asimétrica: se pierde la simetría propia del Renacimiento. Se prefiere el desequilibrio y se consigue con diagonales o con formas partidas que indique que no todo cabe en el cuadro ( figuras que no aparecen totalmente pintadas). Con las diagonales se consigue una primera impresión dinámica, reforzada por las figuras inestables, los escorzos, las ondulaciones,..

4) Profundidad continua: en el barroco la pintura parece poseer las tres dimensiones. La sensación de profundidad se consigue con líneas convergentes, escorzos con un primer término oscuro, juego de luces...

5) Predominio de la luz y el color, que se antepone al dibujo y la composición. El barroco es el arte de plasmar pictóricamente la luz y por esto la sombra juega un papel esta entonces inédito, especialmente en el tenebrismo, que vienen a ser violentos efectos de luces y sombras Así pues, la forma se subordina a la luz y así pueden desvanecerse las formas por debilidad o intensidad del centelleo luminoso. El color es otro de los grandes protagonistas como definidor de formas.

6) Representación del espacio. La gran novedad que aparece es la perspectiva aérea. La luz se utiliza como efecto degradante de las formas en un intento por captar la "atmósfera" que se interpone entre los objetos,

7) Pincelada larga y flexible. Frente a la pincelada matizada de los renacentistas, donde predominaba lo dibujístico, el Barroco va a introducir una pincelada mas libre y menos definida.

8) La línea pierde importancia. Predomina el color sobre el dibujo, así las manchas son las definidoras de las formas. El modelado tiende a contrastes violentos muy teatrales.

9) Mantenimiento de la técnica del fresco, y se generaliza el uso del gran cuadro de altar, para devoción de los fieles.

10) Lenguaje realista. Se reniega del misticismo irreal de las imágenes religiosas de los maestros manieristas (pensemos en el Greco). La Iglesia, principal cliente de los pintores, exige un lenguaje realista. Si los santos deben constituir ejemplos para el pueblo, deben parecerse a él. Así pues, la forma de expresión es naturalista realista

11) Temática variada: destacando la pintura de género, bodegones y los paisajes como novedad.

12) Predominio de una temática religiosa en los países católicos que esta vinculado a la proliferación de ordenes religiosas que popularizan las vidas de Santos en los que se busca su carácter ejemplar, por medio de escenas de martirios y alegorías sacramentales. Mientras que en el mundo protestante, predominaran temas bíblicos o evangélicos, de los que constituye un excelente ejemplo la obra de Rembrandt.

13) Pervivencia de la temática mitológica, con figuras bellas e idealizadas, salvo en el caso de España, y con frecuencia dotado de un cierto simbolismo religioso.

14) El retrato presenta algunas novedades: se generaliza el de cuerpo entero, siguiendo el ejemplo de Tiziano y surge el retrato de grupo o de corporación del que encontramos muchos y variados ejemplos en las escuelas flamenca y holandesa.

15) Aparece el bodegón, un cuadro que representa frutas, viandas y objetos inanimados que sirven para decorar estancias burguesas, aunque en numerosos casos están dotados de una cierta simbología religiosa.

Gianlorenzo Bernini y la arquitectura del Barroco

2009-05-05T14:12:00.000-07:00

Fachada de San Andrés del Quirinal

Planta de San Andrés del Quirinal

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680). Es un artista romano que cultiva las tres artes: arquitectura, escultura y pintura. Su arquitectura es sencilla, teatral en el espacio, con síntesis de estilos y mensaje triunfal.
a) En la iglesia de San Andrés del Quirinal introdujo un nuevo tipo de planta: centralizada ovalada, rematada con una gran cúpula con capillas laterales. Es de gran amplitid, el altar mayor se encuentra frente a la entrada, flanqueado por cuatro columnas de mármol, con entablamento y frontón curvo con la escultura de San Andrés, que también se halla representado en el cuadro sobre el altar. En su interior, desarrolló juegos con materiales simulados, lo que dotó al edificio de una gran suntuosidad con menor coste. En el exterior destaca la fachada clásica con entradas en pórtico semicircular flanqueado por dos columnas, al que se accede por una escalinata en arco. El conjunto remata la fachada en frontón triangular, con gran movimiento.

b) El papa le encargó el trazado urbanístico de la Plaza de San Pedro de Roma. Es de forma oval, rodeada por una columnata, también del mismo autor, que simboliza el abrazo a la cristiandad. Gran monumentalidad. El obelisco egipcio se encuentra en el centro, confrontado por dos fuentes. Rematan el entablamento de la columnata esculturas. En ella quedó patente el interés por adecuar el espacio a las nuevas necesidades: un lugar lo suficientemente amplio para admitir un gran número de personas y a su vez, poder vislumbrar la ventana desde la que el Pontífice saludaba habitualmente a los fieles.

c) También es autor del Baldaquino de San Pedro, diseñado como símbolo del poder de la iglesia de Roma y de su supremacía sobre las demás confesiones cristianas. Se realizó con las placas de bronce de la cúpula del Panteón, símbolo del mundo pagano frente al mundo cristiano. Columnas salomónicas, de fuste helicoidal con relicarios, entablamento ondulado en forma de telas colgantes y remate con una bola y una cruz. Se sitúa encima del sepulcro de San Pedro (confessio) Con el baldaquino la introducción de nuevos recursos estéticos quedó instaurada. La ruptura con las formas clásicas se plasmó en su cúpula reducida a grandes volutas abiertas contra el fondo. La estructura permitía jugar con la luz y provocar cambios según la perspectiva del espectador.
Al principio los artistas usaron los elementos clásicos renacentistas, introduciendo cambios que rompían la proporción. Pero fueron creando nuevos elementos y normas, e incluso, introdujeron aditamentos extraños a la arquitectura: cortinajes, superficies pulidas que actuaban como espejos que reflejaban la luz en las fachadas. Los cambios en el barroco fueron acentuando progresivamente en los aspectos decorativos y teatrales, complicando las plantas y espacios y jugando con la sorpresa, lo inesperado y su efecto en el espectador.

El Arte Barroco . Arquitectura y Escultura

2009-05-05T12:14:00.000-07:00

El Barroco

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El David y el colosalismo de Miguel Ángel

2009-04-25T09:07:00.000-07:00

La "terribilitá" miguelangelesca

David, el Gigante

El David, obra de Miguel Ángel, fue realizada en mármol de carrara ya desbastado. Fue un encargo de los mercaderes de la lana de Florencia al escultor. Situada antiguamente en la Plaza de la Signoría de Florencia, pero actualmente se encuentra en la Galería de la Academia de esta ciudad. Esta obra le supuso el triunfo en su ciudad y de su noción de la escultura clásica.
Conocida como el Gigante, ya que mide más de cinco metros de altura, es la personificación de los valores cívicos y religiosos de la ciudad de Florencia. Recupera la noción de la escultura colosal, que había podido ver en Roma y crea, como Polícleto, un nuevo cánon que fascinó a sus contemporáneos. Es una concepción heroica del ser humano, fusión de un cuerpo bello, de anatomía perfecta y de un movimiento anímico interior que se refleja en el rostro, en un proceso de dentro a afuera. Es la obra más popular del artista y representa a David en el momento inmediatamente anterior a lanzar la honda contra Goliat, con el brazo en posición de lanzamiento. El personaje dirige sus ojos hacia el horizonte, con una mirada reflexiva cargada de fuerza y determinación, al tiempo que posa sobre sus hombros la honda con que habrá de derribar a Goliat. Mientras que el David de Donatello muestra la acción ya concluida, Miguel Ángel muestra el momento anterior a su desarrollo.
El David posee unas extremidades poderosas, con manos y pies desproporcionados con respecto al cuerpo; los brazos replegados hacia el tronco, cuerpo en tensión, pero poca musculatura debido a que lo hizo en un bloque de mármol plano. Destaca la perfección anatómica, la mirada serena a la vez que profunda y dramática: la terribilitá de Miguel Angel.

La obra de juventud: La Piedad del Vaticano

2009-04-25T08:24:00.000-07:00

Composición de la Piedad del Vaticano

Piedad del Vaticano

La Piedad del Vaticano es la única obra firmada por Miguel Ángel. Obra de juventud del artista, se sintió siempre plenamente satisfecho de ella. Es una escultura en mármol que representa el tema de la Piedad cuando María coge en sus brazos a Cristo muerto. La iconografía es gótica y no italiana, justificable por ser francés el comitente (el Cardenal Biheres de Lagraulas), no volviendo nunca a repetirla, aunque trató el tema otras veces.

Concebida para una visión frontal, el momento terrible se plasma con recogimiento, contención y silencio tan elocuentes como opuestas a otras similares del autor. Junto a esta profundidad de los sentimientos del alma, hay todo un alarde en la colocación de los volúmenes y en el tratamiento de las superficies. Sobre todo contrasta el cuerpo desnudo de Cristo, límpido, de silueta y anatomía perfectas, con la Virgen, que solo muestra sus manos y el rostro, cubierta de la cabeza a los pies con una vestimenta de complicadísimos pliegues cuyo efecto de volumen, luz y tactilidad resultan espectaculares. La composición tiene una estructura piramidal y equilibrada.

Muestra a una Virgen María muy joven, en actitud serena y llena de dulzura ante la muerte de su hijo. La concepción miguelangelesca de una Virgen María intemporal queda de relieve en esta obra. Cristo está representado con corrección anatómica.

La Escultura de Miguel Ángel

2009-04-25T08:09:00.000-07:00

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) es el principal escultor del Cinquecento en Italia. Su aparición implicó la transformación más espectacular e importante de la escultura italiana. Su genio es tal, que todo queda oscurecido por él; dando paso a un antes y a un después en el devenir artístico del arte moderno. Se forma en Florencia, trabajando en pintura con Ghirlandaio y en escultura con Bertoldo, teniendo acceso al famoso jardín de los Médici, donde pudo estudiar la estatuaria clásica y adquirir los conocimientos, técnicas y recursos de los escultores de la Antigüedad. Estudioso desde su juventud de Ghiberti y Donatello, cuyo sistema de relieve plano imitará en la Madonna de la Escalera y de los testimonios antiguos, tras una estancia en Bolonia se asentará en Roma donde culminará la forja de su estilo. Él siempre se consideró más escultor que pintor o arquitecto. Aunque empleó otros materiales, sobre todo trabajó el mármol blanco de Carrara, para crear obras caracterizadas por la grandiosidad, el estudio perfecto de la anatomía y la fuerza interior de los personajes que representa.

Desde un principio estima que la escultura debe trascender la espiritualidad que le da vida. Entre sus primeras obras está la “Virgen de la Escalera”, relieve que muestra las formas y la alegoría en la representación.

Es un relieve de fondo dorado que muestra profundidad con figuras de más volumen más cerca y de menor volumen cuanto más lejos. Presenta monunentalidad en las figuras, que son muy corpulentas.

La Piedad del Vaticano, el David, el Sepulcro del papa Julio II, al que concibió como un complejo escultórico de más de cuarenta esculturas y que iba a estar situado Bajo la cúpula de San Pedro del Vaticano; al final quedó reducido a un grupo escultórico de menor tamaño donde destaca el Moisés. La Piedad de Florencia y la Piedad Rondanini son otras dos obras a destacar. A ellas se une otra obra más: la Tumba de los Médici, Lorenzo y Giuliano en San Lorenzo de Florencia.

Tuvo tres intereses y tres períodos:

a) La búsqueda de la belleza en las primeras obras, llenas de quietud, serenidad y tranquilidad (1491-1505), donde impera la noción clásica. Gusto por el intimismo y la exaltación del valor del ser humano. En esta etapa le influye el Apolo de Belvedere y el Laocoonte. Gusto por el desnudo y el contraposto propio de los griegos. De este período son la Piedad del Vaticano y el David de Florencia, siguiendo la Piedad los modelos neoplatónicos en su composición triangular.

b) La expresión de los sentimientos, a través de los gestos , expresiones y la colocación de las figuras, abandonando la proporción clásica en su período de madurez (1505-1534). En el Sepulcro de Julio II, el Moisés muestra el profundo cambio operado en Miguel Ángel, que abandona el equilibrio propio del Renacimiento y muestra la terribilitá miguelangelesca o potencia dramática que transmiten sus esculturas. Se mantiene, sin embargo, el gusto por los grandes volúmenes. La calidad del mármol sigue siendo la misma, aunque empieza a jugar con contrastes en el acabado de la piedra, con lo que consigue aumentar la diferencia entre los distintos aspectos de la barba, la piel o las ropas. De este período son también las tallas de la Capilla funeraria de los Médici. En ella se aprecia la evolución de estos años del autor.

c) La expresión absoluta, que busca en sus últimos años (1534-1564). El cambio fundamental se observa en el alargamiento de los cuerpos, la ruptura de un grupo cerrado e inscrito en una composición triangular y en el acabado de las figuras. La carga expresiva sustituye a la perfección formal. El contraste entre superficies pulidas y sin pulir realzan aún más si cabe, el carácter espiritual de sus últimas obras. La razón se halla en la búsqueda incesante de la belleza interior. A este período pertenecen la Piedad de Florencia y la Piedad Rondanini. Es el período Manierista a finales del siglo XVI, en el que se acerca al Barroco con esculturas de composición abierta y en tensión, esbeltas y refinadas, con elegancia en las líneas que se cruzan y el empleo de ejes helicoidales.

La Basílica de San Pedro del Vaticano y Miguel Ángel

2009-04-25T07:24:00.000-07:00

Tambor y cúpula de San Pedro.

La otra obra por la cual se conoce a Miguel Ángel como arquitecto es la Basílica de San Pedro del Vaticano. En ella Miguel Ángel vuelve a la idea de planta centralizada, planteada pòr Bramante, en forma de cruz griega con brazos rematados en ábsides. Abandona los planos de Antonio da Sangallo y recibe la autorización del Papa para replantear la fábrica de San Pedro. La planta centralizada miguelangelesca está dominada por una gran cúpula sobre tambor con columnas pareadas que hacen de contrafuertes en las que descansan los nervios y ventanas. La cúpula tiene estructura doble y la linterna culmina la cúpula.

Los muros y la enorme plasticidad y articulación de los mismos a partir de pilares y enormes pilastras corintias engarzándose unos a otros, alcanzando un efecto y dinamismo hasta entonces nunca visto. Todo ello a escala colosal.

La Biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel

2009-04-25T07:08:00.000-07:00

Entre las principales obras de Miguel Ángel, dentro de la arquitectura de Miguel Ángel destaca la Biblioteca Laurenciana: En 1534 la familia Médici decide crear una Biblioteca pública. El proyecto se encargará a Miguel Ángel, que acometerá otras empreses por encargo de esta familia.
La Biblioteca se proyecta con dos núcleos desnivelados: el zaguán, vestíbulo o ricetto y el salón de lectura. Al principio, ambos estaban a igual altura, pero después se cambió la idea. Se dispone con un gran basamento con las puertas de acceso y ménsulas pareadas; sobre él va el cuerpo principal, al nivel del salón de lectura, concebido en relación inversa, con columnas pareadas dóricas rehundidas y paramentos salientes, reforzados con vanos ciegos superpuestos, molduras, golas y guirnaldas. El tercer piso es similar, pero con pilastras. El espacio de acceso a la sala de lectura es un vestíbulo rodeado de por elementos arquitectónicos (columnas, frontones, modillones) que no poseen ninguna función constructiva sino sólo decorativa. Es un ámbito de reducidas dimensiones en el que Miguel Ángel juega con la arquitectura para impactar al visitante antes de acceder a la sala de lectura.
La escalera de acceso, exenta y con todo el protagonismo, resulta de un medido juego óptico en la distribución de los volúmenes en un espacio pequeño. En esta obra logró la máxima fantasía, originalidad y virtuosismo en el uso de las estructuras arquitectónicas y los elementos clásicos. La escalera, de forma caprichosa y única, ocupa la mitad del vestíbulo, con tres rampas que se unifican en el descansillo central, para acceder en un solo tramo a la puerta de acceso al salón de lectura. Éste, colocado una planta más arriba que el vestíbulo, es un largo y diáfano prisma de techo plano de madera encasetonada y decorada. Los muros se articulaban con pilastras, entre las que se abren ventanas de rico molduraje, bajo las cuales se disponen los pupitres de lectura con los libros. El contraste entre sete espacio, pausado y armónico y el del ricetto, tenso y comprimido, es completo.

Miguel Ángel: Arquitecto

2009-04-25T06:55:00.000-07:00

La arquitectura de Miguel Ángel

El genial florentino se inició en la arquitectura por encargo de los Médici con la fachada de la Capilla de León X de Castel Sant'Angelo de Roma en 1514. En 1515 León X le ordenó un concurso para realizar la fachada de la Basílica de San Lorenzo en Florencia. Ideó un tipo innovador de fachada templaria, enriquecida con estatuas, pero el Papa detuvo la empresa en 1520. Ese mismo año le encargaba la construcción de la Capilla Médici o Sacristía Nueva. Su estructura es similar a la Sacristía Vieja de Brunelleschi: un espacio cúbico con cúpula encasetonada. Miguel Ágel trata las superficies, articulación y órdenes de un modo licencioso e innovador, y funde escultura y arquitectura en un todo. En 1524 diseña la Biblioteca Laurenciana, también en San Lorenzo, formada por el salón de lectura y el vestíbulo, donde prosiguen las novedades de su lenguaje arquitectónico. También diseña las defensas de la ciudad en la guerra contra los Medici y el emperador Carlos V (1529).
En 1534 se fue a Roma, donde pasó el resto de su vida. Reordenó la Plaza del Capitolio (1539), haciendo un espacio trapezoidal, con un impresionante dibujo en el suelo, cuyo centro es la estatua romana de Marco Aurelio. Remodeló el edificio fortificado del Palacio del Senado, creando su actual fachada con la gran escalinata, sus balcones y el potente orden corintio. También modificó el Palacio de los Conservadores, con su actual fachada de orden corintio gigante. El piso inferior jónico adintelado sobre columnas que cobija un soportal, y el piso superior con balcones. Cerró la plaza trazando el Palacio Nuevo, que es una réplica del de los Conservadores: por la zona occidental dispuso una balaustrada y la gran rampa conocida como cordonata. En esta plaza se usó por vez primera el orden colosal en edificios civiles, y se creó un espacio urbano donde jugaban un papel esencial las estatuas clásicas que en él se integraban.
Miguel Ángel se encargó también de remodelar las puertas de Roma, pero sólo hizo la Porta Pía, que quedó inconclusa hasta el siglo XIX.
Pero el gran reto de Miguel Ángel fue la prosecución de San Pedro. Las muertes de Antonio da Sangallo el Joven y de Giulio Romano en 1546, sucesores de Bramante y Rafael al frente de la nueva fábrica de San Pedro del Vaticano, provocan que el papa Paulo III nombre a Miguel Ángel como nuevo arquitecto. El genial florentino consiguió arrumbar el proyecto de Sangallo (al que sus enemigos habían tildado de “gótico”, el peor insulto que se podía dedicar a un artista en el Cinquecento), modificar las cimentaciones y quedar con las manos libres para hacer su propio diseño.
Volvió de nuevo a la planta central con cuatro brazos iguales, jerarquizado todo por la gran cúpula sobre tambor, flanqueada por cuatro pequeñas en sus diagonales. Los brazos de la cuz acaban en grandes ábsides, y en los pies un pórtico columnado, nunca definido. Cuando muere parecía que la obra estaba a punto de concluirse, pero al no estar resuelto el problema de los pies, la vieja discusión de iglesia central o longitudinal siguió abierta. Miguel Ángel concibe su proyecto a partir de potentísimos muros y pilares, articulados por pilastras corintias, engarzándose unos con otros con un efecto plástico hasta entonces nunca alcanzado, todo ello a escala colosal. La cúpula se alza sobre un tambor opaco, con potentes contrarrestos con columnas pareadas y ventanales en los lunetos. La media naranja, proyectada de doble casco, no era tan apuntada como la que ejecutó posteriormente Giacomo della Porta.
Miguel Ángel mostró con su arquitectura las posibilidades inagotables del lenguaje clásico, llevando al límite las posibilidades inventivas y de imaginación, como ya dijeron sus contemporáneos y se plasma en obras como la Capilla Sforza en Santa María Maggiore de Roma con sus angulaciones, o en Santa María degli Angeli; pero a la vez, violentando intencionadamente los órdenes dio paso a la licencia, al capricho y a la bizarría, iniciando así una corriente en la que los aspectos peculiares de cada artífice, la "maniera", son capitales, dando paso a la individualización del lenguaje clásico, que por su propia esencia es universal e impersonal.

Miguel Ángel. Un hombre del Renacimiento

2009-04-25T06:52:00.000-07:00

Miguel Ángel

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La Última Cena de Leonardo

2009-04-16T10:21:00.000-07:00

"La última cena" de Leonardo da Vinci

Detalle de "La última cena" : Cristo inscrito en una figura geométrica

Es un fresco realizado por Leonardo da Vinci entre los años 1495-1497. Fue un encargo de Ludovico Sforza, que cubre todo el fondo del refectorio del convento de Santa María delle Grazie de Milán. Leonardo proseguía sus experimentos sobre técnicas pictóricas ( el uso del óleo en los frescos) y sus investigaciones sobre la naturaleza humana, el movimiento orgánico y expresivo de un estado emocional, que no afectara solamente al gesto facial o al ademán, sino que hiciera de todo el cuerpo expresión de los afetti.

Presenta el momento en que Cristo que anuncia a sus discípulos en la última cena la existencia de un traidor que lo entregará. Ante la noticia refleja las distintas reacciones psicológicas de los apóstoles, que contrastan con la impasibilidad de Cristo, centro de la composición en el que confluye la perspectiva, tras la alargada mesa colocada frontalmente, según la tradición iconográfica florentina. A los apóstoles los representa en grupos de tres, entrelazados y diferenciados por edad y carácter; se concatenan con un pathos inédito los síntomas de la turbación causada por las palabras de Cristo.

Las novedades del fresco fueron más allá de la simple caracterización individual, del sfumato modelador del volumen a tenor de la luz o de la perspectiva aérea de las lejanías paisajísticas, que se perciben más allá de los tres vanos del fondo. Lo planteó como una prolongación de la arquitectura real del refectorio de los frailes, con un inteligente juego perspectivo; en una construcción espacial que funciona a la perfección si se la contempla desde los muros laterales, contra los que se apoyaban los asientos de los comensales. La escena es una extensión del espacio real, como si la Cena tuviera lugar en el propio refectorio. Estos recursos no buscaban solo el engaño ilusionista, sino que implicaban la inclusión del significado salvífico del acontecimiento histórico, con todo el poder de su apariencia naturalista, de la instauración del Sacramento de la Eucaristía, a la que asistiría cotidianamente la comunidad del convento y sobre la que podría reflexionar. Las figuras muestran movimiento y contrapposto. Es una composición horizontal.

La Virgen de Las Rocas

2009-04-16T09:33:00.000-07:00

Un cuadro, dos versiones: La Virgen de las Rocas

La Virgen de las Rocas es un cuadro de Leonardo da Vinci fechado hacia 1483. En él aparece el nuevo concepto de belleza ideal, las nuevas maneras de tratar la naturaleza y el primer experimento de claroscuro. Composición piramidal, actitud serena, luz proveniente de la izquierda y atmósfera envolvente. La composición piramidal del grupo central contribuye a la exaltación del mensaje, lleno de belleza ideal. El equilibrio conseguido se complementa con la distribución de luces y colores, las actitudes serenas y la atmósfera que lo envuelve todo, en un paisaje soñado. Este cuadro es el comienzo del arte clásico del Cinquecento.

Se encuentra ligado a la iconografía de la Inmaculada Concepción y relata un episodio de los Evangelios Apócrifos. De este cuadro hay dos versiones, una se encuentra en el Louvre y la otra en la National Gallery de Londres.

Las figuras sagradas se pueden inscribir en figuras geométricas perfectas y todas ellas en un triángulo, siguiendo las ideas del romano Vitruvio.

El drama sagrado está rodeado por las sombras de una húmeda caverna. El fondo se abre sobre un milagroso resquicio de luz, que se aleja entre los picos de las rocas, lo que aumenta el relieve plástico de las figuras en primer plano. Una de las diferencias entre las dos versiones es el dedo del ángel Uriel, que actúa como indicador escénico, precepto recomendado por Alberti en su tratado. De la segunda versión elimina este gesto, ya que Leonardo desea desterrar todo tono de excesiva literalidad.

La Gioconda

2009-04-16T08:56:00.000-07:00

"La Gioconda"

La Mona Lisa o Gioconda, obra realizada entre 1503 y 1505, muestra a una mujer joven, anónima o de identificación incierta, que toma el fresco en la terraza de su casa frente a un paisaje profundo de altos peñascos e inundados valles. La actitud de la modelo rebosa comedimiento: cruza las manos como se suponía debían hacerlo las mujeres según las normas establecidas del decoro; aunque su vestido es sencillo y púdico no disimula sus formas; su rostro, marcado por la famosa sonrisa, revela sentimientos interiores deliberadamente disimulados , y por tanto, difíciles de discernir: el amor modesto, la ironía o por el contrario, la ternura.

Es una composición piramidal perfecta, en la que muestra interés por la proporción, con contrapposto (está vuelta para evitar la frontalidad, buscando profundidad). La figura, de medio cuerpo, está sentada, con paisaje detrás, la luz entra por la izquierda y deja un incipiente claroscuro. Utiliza el sfumato en los contornos de las figuras (dando sensación de atmósfera). El sfumato o "esfumado" es similar a la práctica consistente en mostrar la alteración de la luz del cielo, más pálido en el horizonte que en el cénit o el azulado del paisaje a lo lejos, modificado por un aire muy denso que separa al observador del objeto observado, una técnica conocida con el nombre de perspectiva aérea; a la que Diderot definió como "una forma de sumergir los contornos en un ligero vapor". El paisaje es irreal, con movimiento contenido. Es un retrato que plasma la belleza ideal (sonrisa, manos, serenidad).
Las manos son un elemento expresivo fundamental, añade la indagación del carácter ( il moto dell'anima o estado de ánimo) y el modelado con la luz y la sombra. Es el exponente más acabado del retrato leonardesco.

Leonardo da Vinci

2009-04-16T08:43:00.000-07:00

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (1452-1519): Es un pintor que personifica el tránsito del Quattrocento al Cinquecento. Muy intelectual, une arte , ciencia y filosofía: es un hombre del Renacimiento. Busca bases científicas para sus obras. Le interesó sobremanera la nueva técnica del óleo por la brillantez y variedad de los colores; y eso le llevó a investigar procesos aplicables al fresco que hicieran viable las correcciones, aunque los resultados no fueron los esperados.

En sus obras refleja la preocupación por reducir el cuadro a lo fundamental, a la esencia de la naturaleza y del hombre; la fusión del ser humano con la naturaleza que le rodea es la esencia misma del alma. De ahí el carácter de quietud, de armonía, entre los personajes y el entorno que traslucen sus obras. Pero su intimismo no está exento de trabajo intelectual. Para él la pintura es un trabajo meticuloso en el que el pintor ha de tener en cuenta la luz, las tinieblas, el color, el cuerpo, la figura, la posición, el distanciamiento, la proximidad, el movimiento y el reposo. Preocupación constante del artista fue el tratamiento de la luz: la luz que no debía definir los perfiles de un cuadro de manera nítida, ya que en la realidad tampoco lo hace, sino por el contrario, matiza los contornos. De esta idea le vino esa manera sutil de graduar el paso de la luz a la sombra, el sfumato, que caracteriza su producción pictórica, y que consiste en el desvanecimiento de los contornos. La línea pierde intensidad y los contornos de los rostros se hacen, merced a esa gradación lumínica mucho más reales.

La matización de la luz se extiende a toda su obra y los colores responden también a esa diferencia de la luz. El uso de colores complementarios en los personajes principales consigue centrar la atención del espectador en aquello que Leonardo quiere realzar. Emplea una gama de colores para el fondo y otra para los personajes. Los fondos presentan una gama cálida en tonos apagados, con predominio de castaños u ocres; los personajes llevan una mezcla de colores fríos y cálidos, empleando los colores complementarios para realzar lo fundamental: la “Virgen de las Rocas” o la “Última Cena” son un buen ejemplo.

La composición de figuras entrelazadas, una encima de otra, son el resultado de un largo proceso de estudio del artista, del que se tienen testimonios gráficos y literarios. Rompe con el hieratismo de una figura sirviendo de trono a la otra, elaborando una composición piramidal, de volúmenes entrelazados y movimientos armónicos, que se compaginan con gestos amables, transmisores de un nuevo concepto artístico llamado grazia.

Otro de sus intereses es la búsqueda de modelos reales que se correspondieran con sus personajes. Esa búsqueda incesante le llevó a retrasar obras como la Última Cena, ya que no encontraba rostros adecuados para Cristo y Judas.

Se interesa por la valoración del medio atmosférico que envuelve a las figuras (perspectiva aérea), esto provoca una gran riqueza cromática y el sfumato de los contornos (artificio pictórico consistente en prescindir de los contornos reales y precisos del Quattrocento, envolviéndolo todo en una niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce la inmersión en la atmósfera).

Introdujo un nuevo sentido de la vida en las imágenes, por medio del empleo de la expresión y el movimiento, incluso en personajes sentados, cuya falta de estabilidad quedaba contrarrestada por los esquemas geométricos con los que controlaba sus composiciones de figuras o grupos. La visión natural del movimiento del cuerpo humano y la caracterización de los personajes, le convertirán en maestro del retrato gracias a su técnica del óleo y del sfumato; dulcificaba el modelado sin perder volumen, las gradaciones de luz y sombra y la perspectiva aérea, que transformaba relieve, definición y colorido en las distancias.

Trabajó en Florencia , Milán y Francia. Entre otras obras destacan: “La Gioconda”, “La Madonna de las Rocas”, “La adoración de los Reyes Magos”, “La última cena” y “Santa Ana, la Virgen y el Niño”

La Pintura del Cinquecento en Italia

2009-04-06T06:22:00.000-07:00

Detalle de la Virgen de las Rocas.
La composición del Cinquecento

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Dominio de la perspectiva: Lineal y atmosférica.
Pérdida de interés por los grandes escenarios.
La arquitectura sirve para realzar la monumentalidad de las figuras.
Se destaca el tema principal de la obra, con composiciones clásicas que se inscriben en formas geométricas de las que se eliminan los detalles anecdóticos.
El objetivo del artista es la representación de tipos humanos de belleza eterna e intemporal, se centran en el hombre, en sus reacciones y sentimientos. Por ello se usaban modelos reales, que pudieran servir de referencia de un tipo de persona. Interesaba plasmar las relaciones de los personajes entre sí; la realidad del momento representado.
La luz sirve, no solo para crear volúmenes, sino también para difuminar los contornos de las figuras, abandonando las formas (sfumato). El tratamiento lumínico de los rostros, que podía acentuar o mitigar expresiones y gestos de los personajes.
Se mantiene el interés por la representación del movimiento. El autor tiene tarea mental para concebir la obra, que es el trabajo fundamental, explicando las tareas inacabadas.
Abandono del temple y adopción del óleo desde que Antonello da Messina transmite esta técnica a los pintores venecianos durante su estancia en la ciudad de los dux (1475-1476) .
Los colores se fusionaron, gracias a la técnica del óleo, que permitía traducir el alejamiento mediante la degradación de los tonos y los contornos (perspectiva aérea).
Las composiciones, inicialmente estáticas y a menudo, triangulares, tendieron hacia una mayor complejidad y dinamismo. En el Cinquecento la obtención de efectos de claroscuro mucho más contrastados contribuyó a difuminar los contornos y a crear un modelado ilusionista cuyo ejemplo más extremo es el “sfumato” leonardesco. Los lienzos suelen mostrar pocas figuras distribuidas de modo tal que configuran un espacio cerrado, único para ellas: es la denominada composición cerrada
El deseo de transmitir la sensación de vida a través de la calidad de la piel, el realismo de las posturas, el movimiento y la presencia psicológica, definida por Leonardo como “estado de ánimo”; a pesar de ello buscaron mucho más la belleza y la armonía.
El estudio de la civilización grecorromana condujo a los artistas hacia un ideal de perfección e influyó en la elección de decorados arquitectónicos y los motivos denominados “grutescos” (decoración mural consistente en figuras caprichosas, mitad humanas, mitad vegetales; éstos se disponían en los espacios secundarios, en torno a un eje central). La filosofía propugnaba un ser humano ideal tanto en sus proporciones y musculatura como en la definición del óvalo del rostro, la nariz rectilínea, la frente triangular, la expresión contenida y el equilibrio dinámico del cuerpo mediante el contrapposto. Este modelo culminó con la pureza clásica de Rafael durante el Cinquecento. Además, Vitruvio, arquitecto romano del siglo I a.C. enseñaba que la figura humana podía inscribirse dentro de una de las figuras geométricas perfectas (cuadrado, círculo)
La temática continuó siendo la misma:

- Religiosa: se introducen nuevos santos o nuevas formas de representar a los santos tradicionales como reflejo de las preocupaciones de la época. (San Jerónimo en su estudio, como un humanista)

- Los temas mitológicos.

- Los temas históricos: sobre todo conmemoración y exaltación de batallas entre las Ciudades Estado italianas (La batalla de Anghiano y La batalla de Cascina de Leonardo da Vinci y de Miguel Ángel, respectivamente).

- El retrato: El paisaje empieza a tener más importancia, sobre todo en Venecia.

Arquitectura del Cinquecento en Italia

2009-03-30T12:23:00.000-07:00

La Arquitectura Del Cinquecento

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Pintura del Quattrocento italiano

2009-03-14T13:04:00.000-07:00

Características Generales

- Se desarrolla principalmente en Florencia, con obras que suponen la expresión de los ideales del Renacimiento, no solo en cuanto a su belleza, sino también con la aportación de novedades técnicas que encauzarán las tendencias pictóricas posteriores.

El pintor rompe con los convencionalismos medievales y se apoya en observación de la realidad a la que idealiza.
El pintor tiene mayor consideración social
La pintura será considerada casi una ciencia.
Su práctica obligaba a un conocimiento de:
Proporciones.
Luz
Movimiento
Profundidad, de auerdo con el sistema visual de representación que se descubre en este momento: la perspectiva.
El mecenazgo de los poderosos ayudó a los pintores a liberarse de la rigidez del sistema gremial.
Los gremios:
Limitaban la libertad creativa
Regulaban el aprendizaje y la comercialización de las obras.
La valoración del arte va unido a:
El coleccionismo
A la acumulación de obras de arte como signo de prestigio social.
El pintor es percibido más como artista que como artesano.
Es esencial:

. El estudio de la anatomía humana.

. La concepción de la representación espacial.

. La valoración de la luz en el cromatismo

. Variabilidad de tonos.

Temas:
Religiosos. Son los más abundantes. Se distinguen por la gran humanidad de los temas, acercándose a los fieles que los contemplan.
En Italia:
Virgen con el Niño (Madonna).
Sagrada Familia como motivos dulces y amables
Sacras Conversaciones: personajes sagrados en sencilla actitud de diálogo
Se mantienen los grandes ciclos con representaciones de acontecimientos bíblicos o de la vida de los santos.
El retrato se independiza de los cuadros religiosos (donante)
La dignidad del hombre es determinante en el nacimiento de este género, producto del individualismo renacentista. Se inspiran en los retratos romanos (Medallas, relieves de las excavaciones).
Mitológicos: Se representan escenas de las Metamorfosis de Ovidio.
Los pintores se interesarán por las excavaciones arquelógicas.
La conciliación neoplatónica entre la cultura grecolatina y la cristiana hace que los temas tengan carácter moralizante y convivan con los religiosos.
Es la decoración principal en los espacios civiles en Italia, como los palacios.
Los héroes mitológicos o los hombres de la Antigüedad se ofrecen como modelos de virtudes que encajaban con la moral cristiana.
Se generalizan las alegorías, por las que ideas, sentimientos o fuerzas de la naturaleza como la justicia, el amor o el viento, se representan como personas, con todo un lenguaje de atributos particulares.
Técnicas:
El soporte más usado es la tabla
Se incorpora paulatinamente el lienzo, que desplazará a la tabla.
La técnica tradicional, el temple (pigmentos aglutinados con huevo), se sustituirá por el óleo, con mayores posibilidades plásticas (ya se usaba en los Países Bajos).
En las pinturas murales se usa el fresco.
El fresco requiere:
Rapidez en su ejecución
Permite pocas modificaciones.
El color se aplica, mezclado con agua de cal, sobre el muro de un revoco aún húmedo. Esto permite que la pintura penetre en el soporte; así soporta la intemperie, pero dificulta los retoques cuando seca. El resultado es luminoso y duradero.
La pintura florentina rompe con la tradición del llamado gótico internacional. Los pintores se inspiran en:
El lenguaje del clasicismo
Buscan la representación de la naturaleza
Dejan a un lado el carácter simbólico y distante de la pintura medieval.
Al carecer de restos pictóricos de la Antigüedad, se fijan en los restos arquitectónicos y escultóricos.
Persiguen plasmar con fidelidad la naturaleza y su tridimensionalidad, a través del estudio geométrico y matemático.
El hallazgo de la perspectiva se manifiesta en todas las creaciones, que aplican el nuevo sistema para obtener una mayor sensación de realidad. A ello se une el estudio del cuerpo humano, del movimiento, de la luz, en un período que cristalizará en el siglo XVI.
Florencia se convierte en el centro fundamental de la nueva corriente, aunque pronto surgirán otros: Roma, Padua, Perugia, con sus propias características

2009-03-06T13:00:00.000-08:00

La Pintura Gótica Flamenca

Justificación de la Presentación

2009-02-27T14:42:00.000-08:00

Uno de los motivos que me impulsó a relizar esta presentación del "Arte del Renacimiento en Italia" es el que resulta un soporte pedagógico importante en las clases de Historia del Arte. Puedo introducir algo más que la propia imagen de una diapositiva tradicional: puedo meter esquemas, árboles, mapas conceptuales, dibujos... La elección del tema era claro: había terminado el arte Gótico y debía comenzar el arte del Renacimiento en Italia. Pero el Renacimiento, como tantos otros períodos del arte, es algo más que arte. Es más que las llamadas artes plásticas: es literatura, es matemática, es filosofía; es urbanismo, es la ciudad ideal, es el "príncipe" de Maquiavelo, la lucha por la libertad de pensamiento. Surge, en lo puramente artístico la importancia de la perspectiva. Se desarrolla la teoría y la práctica de la arquitectura, el ritmo, el color y la textura de materiales. el volumen y la ocupación o más bien dominación del espacio por la figura humana, tanto en la escultura como en la pimtura. Es el interés por el hombre y todo lo que ello supone. Es la curiosidad y el deseo de conocimiento por encima de todo; es el hombre del Renacimiento. Es cierto que al lado de tantas luces hubo muchas y muy importantes sombras; pero esta realidad impregna todo lo humano y no le quita ni un ápice de grandeza y de interés. Cuando logran o consiguen dejar atrás éstas le dota de más humanidad y le acerca a la perfección, que en el fondo, es lo que la Humanidad persigue desde siempre.

Presentación de "El Renacimiento en Italia"

2009-02-27T07:20:00.000-08:00

El Renacimiento En Italia

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Pintura Gótica 2

2009-02-19T09:58:00.001-08:00

Gótico 5

2009-02-10T07:38:00.000-08:00

Gótico 4: La Reforma Cisterciense y Bernardo de Claraval

2009-02-01T10:56:00.000-08:00

El abad Bernardo de Claraval , superior de la orden del Cister se enfrenta a la visión artística y religiosa sostenida por el abad Suger y que éste deja patente en en la Basílica de Saint Denis. Autor de la reforma religiosa del Cister hacía hincapié en la pobreza, sencillez y la austeridad, tanto de ornamentos y construcciones como de la forma de vida monástica. Los monasterios cistercienses se caracterizan por la austeridad y la funcionalidad. Austeridad manifestada en la absoluta desnudez de sus iglesias y demás dependencias del monasterio: ni capiteles, ni pinturas, tapices o retablos. Una única imagen ocupaba el ábside: un crucifijo, tan severo y sencillo como el arte de los monasterios cistercienses. Nada debía distraer a los monjes en sus oraciones. El exceso ornamental del románico era rechazado totalmente.
El año 1098, unos cuantos monjes del monasterio benedictino de Molesmes se trasladaron a Cîteaux para vivio una existencia humilde y apartada de las luchas cotidianas, del enfrentamiento continuo con la realidad corrupta, con el tumulto de de la vida mundana. Esta nueva concepción rigorista no dio pie en sentido estricto a un nuevo estilo artístico; pero sí a una nueva manera de concebir el arte: éste debía abandonar la ostentación y la carga decorativa extrema a la que había llegado el románico. Lo común a los monasterios cistercienses fue la concepción de éstos como una auténtica ciudad aislada del mundo exterior y autosuficiente. Los monjes del Cister no debían, además, tener contacto con el mundo para que sus almas estuviese a salvo de los peligros y tentaciones de éste
Los monjes cistercienses, en número de doce, al igual que los Apóstoles, fundaron numerosos monasterios, en lugares aislados y en muchos casos, despoblados y sin roturar; a las que convirtieron en nuevas tierras de cultivo. Los monjes blancos, ayudados por los canteros, levantaron sus monasterios.
El primer edificio que materializó los ideales del arte cisterciense fue el monasterio de Fontenay, terminado en 1134., y su ejemplo se expandió por Europa. Las diferencias entre unos y otros es mínima. La iglesia era de planta de cruz latina, con bóveda de crucería simple, transepto y ábside poco profundo. Carece de tribuna ni triforio. Tampoco la fachada es llamativa; es discreta y severa, sin torres ni ornamentación. La decoración de las arquivoltas es simple: en zigzag o vegetal. Tampoco se permiten las vidrieras de colores, que se sustituyen por alabastro o vidrios transparentes.
Aparte de la iglesia destacan: el claustro alrededor del cual se disponían las distintas dependencias de los monjes; la sala capitular. el refectorio o la biblioteca. Otras dependencias estaban en el piso de arriba (el dormitorio) o en edificios anejos y separados: sala de conversos, noviciado, la cilla, almacenes y bodegas.
Los monasterios cistercienses estaban unidos a la casa madre por vínculos estrechos. En España destacan Poblet y Santes Creus (Tarragona), Las Huelgas (Burgos), Santa María de Sacramenia (Segovia), y Santa María de Huerta en Soria, entre otros.

Presentación de la Escultura Románica

2009-01-29T09:13:00.001-08:00

Presentacion Escultura Romanica

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Gótico 3: El primer Gótico. El abad Suger

2009-01-27T12:27:00.000-08:00

En 1140 se levanta la primera construcción del gótico: la Abadía de Saint Denis Panteón Real impulsada por el abad Suger.Este consideraba que una edificación que ayudara a recordar la belleza de Dios, permite, mediante su contemplación acercarse a él. Al Abad le debemos la apertura de unas enormes cristaleras en el ábside que proporcionaban una inusitada claridad en el interior. Este sorprendente efecto llevó a la mayor parte de los maestros constructores a emular lo realizado en Saint Denis. Surgen así los claristerios del arte Gótico, alcanzando su máxima expresión en la Sainte Chapelle. La inscripción que el abad mandó labrar en la iglesia, recoge la impresión que causaba la nueva obra:
"Cuando el coro nuevo fue sumado a la vieja fachada, el centro del santuario brilló en todo su esplendor. Resplandeció esplendorosamente lo que se había añadido y la obra soberbia, inundada por una luz nueva, resplandeció. Y fui yo, Suger, quien en mi tiempo engrandecí este edificio. Y se hizo bajo mi dirección"
El abad Suger al igual que el resto de fieles de la época, creía que el interior de las iglesias debía representar la Jerusalén Celeste, que al decir de las Escrituras era todo transparencia. Por ello, se propuso llenar la iglesia de luz, suprimiendo los muros y solicitó a los maestros de obras que trazaran con el nuevo arte de ojiva toda la cabecera y el cucero de la iglesia. El arco apuntado y su sistema de contrarresto permitían eliminar el muro y sustituirlo por las cristaleras de colores que recordaban el brillo de las piedras preciosas y de los relicarios, y que, al mismo tiempo facilitaban la entrada de la luz en el edificio. Es a partir de este momento, cuando los dos grandes elementos definidores del gótico quedaron fijados: la búsqueda de la luz y el sistema constructivo que permite sustituir el muro por las vidrieras. Ambos irán evolucionando, intentando alcanzar mayor altura y claridad.

Gótico 2

2009-01-26T13:40:00.000-08:00

En esta imagen de la cabecera de Nôtre Dame de París observamos el elemento constructivo clave del Gótico que ayuda a elevar la altura del edificio y a liberar al muro de su función como elemento sustentante del edificio: los arbotantes.
Los arbotantes son en realidad arcos rampantes, que trasladan el peso del edificio a los contrafuertes y de esa manera se alejan del edificio. Gracias a ellos la bóveda deja de ser un elemento constructivo que sostiene el edificio y se transforma en un elemento decorativo. Los arbotantes son los que facilitan la apertura de ventanalaes en el muro y la formación de los claristerios, por los que penetra la luz. Los contrafuertes en los que se descansan los arbotantes se rematan con pináculos.

Gótico 1

2009-01-23T07:59:00.000-08:00

En esta imagen de la Sainte Chapelle vemos uno de los elementos característicos de la arquitectura gótica: los grandes vitrales convertidos en paramento translúcido, con vidrieras de colores. El vano sirve de muro de cristal por el que entra la luz, luz que es transformada por el vitral. Luz que se asimila a Dios y a la divinidad; luz que crea un espacio simbólico y espiritual, luz irreal que se transforma en auténtica protagonista del templo gótico. El muro pierde su función de elemento sustentante, gracias a los arbotantes externos. El edificio puede elevarse en altura, y en él se abren los grandes ventanales. La Sainte Chapelle, capilla palatina, fue construida por encargo de San Luis IX de Francia como lugar privilrgiado donde resguardar las reliquias de la Pasión de Cristo , es un ejemplo insuperable en el que el muro prácticamente ha desapoarecido. En estos vitrales de colores se recogen los grandes ciclos iconográficos que adoctrinaban a los fieles, y que en el románico se pintaban en los muros o se esculpían en las portadas de las iglesias y en los capiteles de los claustros.